La rentrée de la Galerie Lelong commence avec une très belle exposition de peintures et collages sur toiles ou papiers de l’artiste allemand Jan Voss. Né, en 1936, à Paris depuis 1960, professeur aux Beaux-Arts de Paris, il joue des assemblages de formes et de couleurs où grouille tout un monde de personnages hauts en couleurs. Parfois, tout nous semble abstrait. Parfois, le visiteur suit une histoire amusante qui fait promener l’œil dans des accumulations de formes incroyables ! Une rétrospective de Jan Voss a lieu tout l’été à Sens jusqu’au 28 septembre.

"Jan Voss", Musée de Sens jusqu'au 28 septembre. "Jan Voss, On tourne toujours", Galerie Lelong, 13, rue de téhéran, 75008 Paris. Tél. : 01 45 63 13 19. Voir www.galerie-lelong.com.

Image : merci à www.boisseree.com

James Brown s’était fait connaître dans les années 80 pour ses magnifiques visages. Primitifs. Aujourd’hui, cet américain qui vit entre New York, Paris et le Mexique dévoile un ensemble d’œuvres remarquables qui se concentre sur la nature. Ici, vous ne trouverez que des fleurs, des éponges, des coraux. Des fleurs, des éponges, des coraux, d’une simplicité et d’une profondeur magnifiques. Il nous propose donc un art de la mémoire, de l’intemporalité, d’une picturalité toujours renouvelée.

"James Brown. Around Nature", Espace La Vallée, La Vallée Village, 3, cours de la Garonne, 777000 Serris. Voir www.lavalleevillage.com

Image : "Flowers & leaves", litho, 2000.

Mulatina visionaria, 2007

graphite sur papier, cire

29 x 19 cm

Courtesy Gallery Kewenig, Köln

Photo : Simon Vogel

Cette artiste chilienne propose un travail fondé sur ses expériences personnelles. Certains de ses dessins de petits formats sont définis selon elle, comme étant des images instantanées de ses propres souvenirs mais aussi tirées d’expériences universelles accessibles à tous. En tout cas, il est clair que l’on reste fasciné devant ses personnages aux corps torturés.

The work of this  Chilean artist is based on personal experiences. Some of her drawings of small formats are defined according to her, as instant images of her own memories but also learned from universal experiences. In any case, it is obvious that one remains fascinated by her characters with tortured body.

Pour plus d'informations sur cette artiste, visitez son site Internet personnel ! For more informations about this artist, take a look at her personal website !

(Les Mots du Piou - Portugal #1)

"... Un voiture avec une porte et des draps. Ils vont au magasin pour acheter une salade ..."

Pomme ajoute: "il a bien reconnu que le conducteur est un homme !"

- Le Piou de Pomme, 6 ans -

*****

Kev Moore (le conducteur) et moi (Miki) revenons du Portugal, ou nous avons passé 6 semaines a sillonner le pays. J'ai fait beaucoup d'esquisses, bien sur, et je vais les présenter ici, au moins certaines, au moins celles qui auront inspiré Le Piou.

Il a bien raison, Le Piou: notre voiture avait effectivement une porte et des draps, puisque c'est un camping car. Et puis c'est vrai que de temps en temps nous sommes allés au magasin, et même qu'une fois j'ai acheté une salade... que j'ai du jeter plus tard, l'ayant tout d'abord perdue dans l'un des multiples petits placards, puis retrouvée 3 semaines plus tard dans un piteux état... C'est pourquoi je n'en ai acheté qu'une, de salade!

La perspicacité du Piou me fascine, des fois!

via dailytypography.com

I've discovered acrylics here, in Canada. In my native country, during my art high school years, it was unknown, practically... Artist material were rare, pretty expensive and not very good. No imported colors or paper, no known trademarks... We painted with what was produced locally and acrylics weren't produced... So, I've seen acrylics for the first time about 10 years ago ... I use them since and I'm far from knowing everything about them.
No secret I'm a big fan of acrylics. I love their fast drying, the possibility to work layer after layer, almost immediately. The flexibility, the possibilities for varied textures, the transparent use of "glacis" (transparent, diluted layers of color), the vivid and rare nuances of composed colors...

Texture, especially, is a particularity I love in acrylics. |Sure, one can also have some texture in oil or pastel but nothing could give you the rich, subtle and vigorous textures you can obtain with the acrylics heavy gel mediums...

I hope these two landscapes (inspired by photos from my native Transylvania, near Sibiu) will give you some visual pleasure, a small fraction at least  of the pleasure I had (orgasms!) painting them... It confirms what Cexanne said once: "Dont be an art critic, but paint, there lies salvation"... and pleasure, a lot of intelectual and physical pleasure...

Je vais peut-être rajouter Ryuk aussi (si j'en trouve le courage) et j'essaierai de le finir. Par contre je ne sais pas si je tente la colo ou si je fais en N/B.

Le mois prochain je finirai un fanart que j'ai commencé y a 4 ans. Puis j'en ferai un nouveau.
Non, je ne suis pas tombée sur la tête, c'est juste que j'ai envie d'en faire dernièrement.

Je vous présente ce midi le site d'un graphiste et webdesigner freelance que je trouve très sympa. Il s'agit du site de Yayashin qui ne manquera pas de vous plaire.

Naviguez au fil de ses créations et vous serez conquis vous aussi. ;-)

Bonne visite!

De la série "Le visible et l'invisible", 2002-2004

dessins sur papier

35 x 26 cm

Courtesy de l'artiste

La série « Le visible et l’invisible » de l’allemande Maria Bussmann est une sorte de commentaire pictural de la pensée du philosophe Merleau-Ponty et de sa phénoménologie de la perception. A travers le trait fin de son crayon, elle exprime sa propre expérience du corps. Ses dessins empreints de poésie sont comme des fenêtres sur sa pensée et sont tous liés à une date de la vie personnelle de l’artiste.

The series "The visible and invisible" by the German artist Maria Bussmann is a kind of pictorial comment on the thought of the philosopher Merleau-Ponty and his Phenomenology of Perception. Through the thin line of her sketcher, she expresses her own experience of the body. Her drawings are full of poetry as a window on her thinking and are all related to a date of her personal life.

Il a trouvé un autre moyen d'imager l'amour.

Et je pense qu'il va droit sur les traces de Miki  car voici une de ses caricatures. Je n'ai pas honte de le dire : à gauche, c'est moi, à droite, son père !

Comme cette jeune fille est fan de mangas (Nana, Fruit basket) et d'un groupe de rock et qu'on m'a demandé de la dessiner version "manga", j'ai juste essayé de la dessiner dans sa chambre.

Perso, je ne suis pas vraiment satisfaite de moi. Ce n'est pas assez vivant, j'ai pas peind depuis un moment alors c'est pas terrible, la pose est bizarre...
C'est pas grave, je suis tout de même contente qu'on m'ait confié ce travail et j'espère seulement que la jeune fille sera contente de ce dessin ^^

Bon, je vais reprendre la peinture. Enfin...Je vais essayer de trouver du temps pour m'entraîner.

Qu'en pensez-vous ?

"Robert Combas", Fondation Van Gogh d'Arles, Palais de Luppé, 24 bis, Rond-Point des arènes, 13200 Arles. Du 4 juillet au 2 novembre. Voir www.fondationvangogh-arles.org

Image : Robert Combas, "Barbu Rouquin", 2007

Paris, janvier 1966. Alberto Giacometti s'éteint, épuisé, dans son atelier minuscule et poussiéreux de la rue Hippolyte Maindron. Là, pendant près de 40 ans, ce jusqu'auboutiste de la figuration s'est acharné, face à la force de l'abstraction dominante, à faire poser le modèle, à interroger la réalité avec fureur et désespoir. Il y a brûlé ses yeux et sa vie. Il y a consacré toutes ses forces jusqu'à leur anéantissement. Le vieux maître était devenu l'ombre de ses sculptures, long, filiforme, le visage bosselé. Terrifiant. Sans aucun doute, il avait été touché par la grâce divine, métamorphosé en dieu dans sa quête de l'Absolu, de la "vraie vie" dont parlait Rimbaud.

En effet, que de temps pour s'arracher des mains ces corps ravagés, ces figures rongées par la lèpre. Que de travail pour faire surgir de la glaise, du plâtre ou sur le papier, ces portraits, ces bustes, ces nus assis ou debout, les têtes de Diego, d'Annette, de Caroline. Car de son enfance passée à Stampa, petit village de la Suisse italienne, aux années de gloires parisienne et internationale, toujours il fut déchiré par les épreuves et l'incertitude, tenté par les ruptures et  le renoncement.

A 20 ans, il accompagne son peintre de père en Italie. C'est la révélation. Les Tintoret et les Giotto, les mosaïques byzantines et l'art égyptien l'ébranlent. Dès lors, il ne cessera d'arpenter les musées, de questionner  toute chose et tout être  humain, inlassablement, à la recherche d'une  ressemblance impossible. En 1922, Giacometti poursuit son apprentissage à Paris, à l'académie de la Grande Chaumière, dans l'atelier de Bourdelle. Mais, à la fois par dépit amoureux et constat d'impuissance, il tourne casaque. Une parenthèse de dix ans s'ouvre. D'abord, il sacrifie à l'influence de ses aînés, Laurens, Brancusi ou  Lipchitz. Y amalgame la leçon des arts primitifs, fétiches africains, sculptures mélanésiennes ou cycladiques. Puis ses rencontres avec Miro, Masson et Leiris le propulsent, en 1930, dans le maelström surréaliste. Bien entendu, Freud et Bataille  lui  permettent de mettre à nu les fantasmes sexuels et la rage qui le tourmentent. Le modèle intérieur supplante la réalité concrète. Et  d'inquiétants objets portent dans une lumière aveuglante les énigmes de la nuit  des  rêves, du sexe, de  l'imaginaire: tandis qu' "Homme et femme"  exhibe le spectacle abstrait d'un viol,  dans une "Cage", des formes  s'entredévorent dans un climat convulsif. Partout on retrouve  la même  intensité  dans  l'affrontement. Car partout aussi, le recours à la violence n'est qu'un moyen extrême, le plus désespéré peut-être, d'assouvir le  désir, de supprimer cette sensation de vide qui sépare les êtres, isole du monde, et l'empêche d'atteindre la réalité qui le fuit.

En 1935, Giacometti étouffe dans le cercle vicié de l'abstraction. Il laisse tomber Breton et ses acolytes, et commence enfin la grande aventure de sa vie, celle qui le laissera à jamais obsédé par les visages insaisissables, celle qui le tiendra tel un ermite, cloîtré jusqu'à sa mort. Et le travail d'après nature reprend. De 1935 à 1940, chaque jour, comme un écolier accomplissant ses devoirs, il s'efforce de copier la tête d'un modèle et celle de son frère Diégo. Mais chaque jour aussi, cette réalité le laisse sur sa faim. Il persiste. Il l'enferme dans son atelier, ne se consacre plus qu'à la sculpture, n'expose plus jusqu'en 1947. Seulement, ses oeuvres deviennent de plus en plus petites. Et de Genève où il séjourne pendant la guerre et rencontre sa compagne Annette Arm, il ne rapportera qu'un tout petit nombre de minuscules figurines qui rentraient dans une boîte d'allumettes. A son retour à Paris, il plonge dans  l'existentialisme, se lie avec Sartre et Simone de Beauvoir. La nouvelle période qui s'engage développe et porte à maturité son oeuvre la plus connue et dite phénoménologique. Son but ? "Faire sentir le vide autour de la tête". Car faire oeuvre pour Giacometti, c'est fixer la réalité que l'oeil découvre à distance, immergée dans son espace, cernée par le vide qui la retranche. Désormais, la main dessine, peint, modèle, aussi bien les traits distinctifs que tout ce qui l'isole : l'image recrée, unit comme par magie, les signes d'une présence et les traces d'un retrait. D'où l'extrême étirement des figures, d'où l'amincissement de la tête qui tranche l'espace comme une fine lame de couteau. D'où aussi l'amplification du socle dont elle semble jaillir tout en s'y enracinant, entraînant des blocs entiers du chaos qui les empoigne. A coup sûr, c'est toujours la même silhouette qui surgit, une silhouette dans laquelle on reconnaît l'allure d'un Giacometti gris, gris comme cette poussière qu'il ne voulait pas que l'on enlève de son atelier, gris comme une figure d'ombre rasant les murs dans la nuit.

Et dans l'interminable débat de l'artiste avec son modèle, il célèbre les noces perpétuelles de la création et de la destruction, du faire et du défaire. Bien entendu, sa folie iconoclaste s'oppose à sa présence. D'un côté Giacometti pousse ses figures sur la scène comme un impresario ferait d'un acteur hésitant. De l'autre il les refoule, les éclabousse de signes, de traînées, de bris de lignes qui font pleuvoir sur elles des coups de fouet. Dès  qu'il détache avec détermination une silhouette compacte placée bien au centre du tableau, il force les visages, les corps et les murs à se débattre dans la même toile d'araignée, vannerie prodigieuse et légère, illimitée et inextricable. C'est une lutte d'influence, acharnée et  meurtrière, entre la représentation et son absence, entre les griffures du crayon, les lacis des pinceaux et les coups de gomme.

Il est arrivé à Giacometti, à force de creuser l'apparence de ce qu'il voit et vit, d'en toucher le noeud et la mort. Sur le visage de la poseuse, cerne après cerne, lasso après lasso, soudainement les orbites se creusent et les os saillent. Mais l'artiste ne s'est pas arrêté là. Car l'être a supplanté le néant, la vie a vaincu la mort. Et malgré le sentiment d'échec du peintre qui, à la fin de sa vie, tel Cézanne, n'arrivait plus à achever ses oeuvres, il a fait jaillir la formidable énergie de la vie, de l'Absolu, du Sacré.

"Giacometti", Musée des Beaux-Arts, Le Château, 14000 Caen. Jusqu'au 31 août. Voir www.ville-caen.fr

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