So... i declare myself soooo fan of surrealism in all its senses. i found this resource, which I find very complete, useful and dynamic. there´s a very graphic timeline that explains the content of some of Duchamp's pieces. ... travel..... ah y de nuestro prefacio: tu m'e....

experiments of provocation

products of conscious efforts to brake the rules of artistic traditions

they engage the mind instead of the eye

provoke the observer to participate and think

y en paralelo, esta en la colección jumex, AN UNRULY HISTORY OF THE READY MADE. que toma como punto de partida la revolución duchampiana. ansío ir. no veo pa cuando.

http://fundacioncoleccionjumex.arteven.com/h/08_an_unruly_history_of_the_readymade.htm

Figuras de la trayectoria de Fernando Arrabal, Enrico Baj, Chema Madoz y Clemente Padín participan en la muestra que abrió el 2 de octubre en la Galería MOTO.

Invitados a reflexionar sobre la vigencia del pensamiento y obra del artista francés Marcel Duchamp, dibujantes, pintores, fotógrafos, videastas, poetas y artistas de performance de 14 países de América y Europa presentarán sus obras en Chile.

La muestra INFRAleve, exposición internacional duchampiana que se inauguró el pasado 2 de octubre, día del fallecimiento del creador del Gran Vidrio, en la Galeria Moto de Santiago, incluye trabajos de un selecto grupo de artistas, entre los que destacan los catalanes Chema Madoz y Joan Casellas, el uruguayo Clemente Padín y el venezolano Franklin Fernández. Además, estarán presentes los chilenos Leonardo Portus, Catalina De la Cruz, Daniela Zuñiga, Francisco Ide y Matlop, entre otros.

Como una forma de explorar las diversas relaciones que se crean entre arte y vida, una de las aristas que más exploró Duchamp, durante toda la jornada se realizarán acciones de arte y performance en distintos puntos del país, a cargo de artistas como Luis Guerra, (inutilísimo) Monroy, Lorena Astorga y Catalina Mena.

El día de la inauguración se presentará también la Caja Blanca, libro de arte que reúne la totalidad de las obras incluidas en la muestra, además de textos del escritor español Fernando Arrabal, la historiadora Tania Lorandi y el artista italiano Enrico Baj, y de poetas, escritores e investigadores nacionales que abordan los nexos entre Marcel Duchamp y Chile.

INFRAleve es una iniciativa independiente de ARTE59, Ediciones Corriente Alterna, Colegio de `Patafisica de Chile y AJíCOLOR diseño.

::MENTES-INQUIETAS::

Saw V is coming! Bound to be a 'Delicious-who-dunnit-,-but-,-moreover-,-who-cares-?'

This serial killer is pretty legit. With a terminal illness in the first movie, he has enough posthumous contingency plans to teach strangers to love life by putting their heads in rusty traps several films later.

A postmodern critique on your average pedagogue? I'd say so. Duchamp rocked the art world with a urinal. Jigsaw and his puppet revolutionize the educational system with dirty sharp objects and some American ingenuity. A must see for any teacher!

— Carly Fisher

My first job was to bring in the steelwork from the two larger pieces I recently showed. I haven't made crates for them yet, so I made a crate list and covered the pieces up in luxury bubble wrap kindly donated by the Hatton Gallery curator Emily Marsden. The wrap had come from one of their touring shows, in this case Francis Bacon in Milan. I quite like the connection, though I don't like Bacon.

My objectives for the next four weeks (until my supervision) are quite simple:

1. Tidy studio, including files and computer files

2. Deal with documentation and after-life for all recent projects: this means writing disks and editioning the films, preparing a show reel, updating my CV, having a business card printed, telecine for 8mm and 16mm films, making crates and edition boxes.

3. Pick apart my research proposal- this can all be looked at over at I Spy With My Military Eye

4. Spend some time looking at Duchamp's work again

5. Read Martin Kemp's 'The Science of Art: Optical Themes in Western Art from Brunelleschi to Seurat'.

6. Write the programme for Connecting Principle 08: Dialogue, which I am co-curating with Wolfgang Weileder.

No? Humm... Eros, c'est la vie... arroser la vie...

Rrose, my dear, is a creation of three provocative artistic figures from 20th century's early years. Man Ray, Marcel Duchamp and Francis Picabia were good friends with the same sense of humour,  bits of will to shock, some freakness and a lot of creativity. This explosive mixture established artistic norms and made a turning point in the world of art at that time.

Dadaism, surrealism, ready made art (is the urinal placed in a museum other than in a loo a piece of art?), Man Ray and his X-Ray experiences, non-sensism, provocation and all that comes along made that fantastic exhbition at Museu Nacional d'Art de Catalunya.

In collaboration with the Tate Modern.

Sobre el teclado del mac hay una nota.

Escrita en rojo. Sobre un kleenex extendido. Pone la hora en la que fue escrita.

El encabezamiento dice: Sábado, 08:49 am.

Y, a partir de ahí cosas que son privadas. La caligrafía es pulcra y exacta. Las líneas rectas. Es una nota amable, de agradecimiento.

Y no parece que la haya escrito quien de veras la ha escrito, porque es tierna y sencilla. Y no trata de resultar epatante o literaria, sino que simplemente dice lo que tiene que decir. Por primera vez.

El viernes por la noche tuve el mejor sexo que he tenido al menos durante el último año.

Sexo tierno; y no, no es un oxímoron.

El sexo con el que se despide una relación tormentosa.

Espero.

2.

El caso es que la habitación no huele a esperma ni a sudores, al levantarme, sino que huele casi a aromas florares. A pesar de lo acontecido. Y ella no, no está.

El ambientador triple, sospecho, que guardo en una de las esquinas, hace bien -muy bien- su trabajo.

Así, el sábado se antoja un buen día.

Un desayuno continental.

Me ducho.

Trabajo en un relato, pero me gustaría olvidarme de él. De hecho escribo media página y lo dejo estar. De hecho me gustaría olvidarme de todo lo que tenga que ver con crear literatura propia. Para siempre.

Como primer paso echo la tarde en la literatura de los otros. Corregimos textos. Hablamos de arquitectura narrativa, de alguna cuestión de estilo.

Luego hablamos de mujeres. Con S. Por skype.

Así me olvido de que la chica cantante con la que tenía una cita me dio plantón.

Bueno, dijo: me encuentro mal, mejor lo dejamos estar para mañana.

Lo cual puede significar miles de cosas.

Y lo que significa es que la llamé dos veces a la tarde para ver como estaba y a la noche y saltó el buzón de voz y un mensaje que no respondió y significa entones que al día siguiente -el domingo-, a las tres de la tarde dijo "lo siento, es que tengo un examen el lunes, me acabo de acordar; ya quedaremos otro día".

Y lo que significa es que tan mal no estaba porque a la noche se fue por ahí.

Eso es lo que creo que significa: A subtle leap. O algo así. Lo que no sé es si hacia delante o hacia detrás.

Un salto hacia el silencio, en cualquier caso.

3.

Primal Scream correctos pero bien, complacientes pero bien. Cortos, pero bien.

En la antigua fábrica Damm. El sábado por la noche. Pero más de lo mismo.

La chica de la nota escrita en rojo en un Kleenex el viernes llama, lo cual entonces me hace dudar de si la relación tormentosa ha desaparecido. O quizá sea la prueba irrefutable de que lo ha hecho.

Sé que llama porque sabe que tenía una cita con la chica cantante que me ha dado plantón.

En fin, que dice: estoy en la cama, estoy agotada, es que eres muy intenso.

Me ruborizo. Esto me deja realmente confuso.

Pues, a pesar de ser un cumplido por su parte, resultan ser palabras aterradoras.

Pregunto: ¿entonces vienes?

Y ya queda claro para ella que estoy solo, que necesito que venga.

Entonces me dice que no viene.

Se queda durmiendo. Estoy muy cansada, dice.

Luego llueve. En el Moll de Fusta.

La Orquesta Nacional de Berbés tarda casi treinta minutos en prepararse. Y sigue lloviendo.

Y para cuando aparecen -y deben ser ya por lo menos la una y media- a mí las ganas se me han escurrido como la lluvia por las alcantarillas. La chica cantante sigue sin decir nada... le acabo de mandar un sms hace unos minutos.

Además lo de dar botecitos no va conmigo. Ese rollo ska, uhm, pero qué va. Será que habitamos mundos diferentes.

Será, porque al poco rato me despido y me marcho. Ya no llueve cuando camino hacia casa.

Quiero acostarme pronto. La chica cantante sigue sin decir nada.

Secretamente confío en que me llegará alguna señal de alguna parte. Del teléfono móvil, principalmente.

O sea...

Sí, pero no, o sea... que no sucede nada más que el sueño y esa ridícula sensación de estar desolado, ese necesario remanso que postcede a toda tormenta.

Esa cosa de notar la electricidad en las uñas, y en el estómago.

Esa cosa de sentirse solo.

Eso de no querer y, sin embargo, tener que escribir.

4.

Están cerrando. Es domingo. Son las 14:15. En el Mnac. Las obras de Picabia, Man Ray y Duchamp van a irse de la ciudad. Se los llevan a la Tate. Es el último día de la exposición. En el Mnac.

Hay muchas mujeres. Trato de mirarlas a los ojos. Pero sus ojos la verdad es que no me dicen nada. O sea, en realidad, nada me dice nada. Ni los cuadros ni la gente ni yo mismo.

Pienso en el error.

Y en el arte. Y en el por qué. Me pregunto qué hago aquí, de veras.

Simplemente paseo entre la gente mientras pienso en esas tres cosas. Man Ray se lamentaba por el -a su juicio- escaso eco de su obra, sobre todo en cuanto a la recepción crítica.

Duchamp nunca se quejó, o no de ese modo agrio, se quejó creando, en ese insustituible silencio del creador.

En esa desolación.

Sus primeras obras pictóricas -las de Duchamp- en las que trata de que el movimiento exista, o mejor dicho "sea", me han sorprendido e ilusionado.

El descubrimiento -de todos modos.- viene por Picabia, que es totémico y brutal. Eso me gusta.

Su ardor guerrero, por así decirlo. Una especie de heroísmo al estilo orteguiano. El de no basarse en suposiciones ni tradiciones, sino amigarse con la hipótesis de un pasado y ponerlo al frente y superarlo, pero sin darlo por válido (cosa hecha) -o sea, verdad innegociable-.

Es ridículo que la gente lo único que (re)conozca de los dadaístas sea esa estupidez que es la Mona Lisa con bigote. O el urinario.

Un chiste elevado a la categoría de manifiesto.

Duchamp quiso dejar el arte por el ajedrez. Y no lo consiguió. El ajedrez también es silencioso, aunque de otro modo.

El arte, el error, el por qué, le siguieron atormentado el resto de sus días. A Duchamp.

Pensaba en lo que dice la gente. Yo. Lo pensaba yo, no Duchamp.

O mejor dicho, lo que encubre lo que dice la gente.

El error se basa en esa opinión de la gente, en el equívoco (re)conocimiento que se hace de las cosas.

Ellos, los tres artistas de la exposición (Duchamp, Man Ray, Picabia), simplemente hacían lo que creían que debían de hacer. Se sentían fascinados por el propio proceso.

La sospecha viene después, viene cuando uno se pasea por la exposición y ve los ojos de todos esos visitantes, ojos que miran, pero ojos incapaces de sentirse fascinados por esas obras. Ojos que miran.

Ojos de gente que mira... pero, ¿qué mira esa gente de veras? ¿Y de veras que lo hace?

Siempre es así, el artista y la gente que mira.

Y en el medio de los dos el silencio, el oprobio, el dolor, la sospecha.

Por eso a veces pienso en dejar la literatura,

porque la sospecha acaba deviniendo en error, y el por qué en paranoia.

Y de ahí a escuchar voces en la cabeza hay un saltito sutil, bien sutil y pequeñito.

Casi de risa.

Un saltito que te instaura sin remedio en el oprobio, el dolor y la sospecha.

]]> http://aqueiva.wordpress.com/?p=441 Sun, 21 Sep 2008 16:27:47 +0000 Marco Aqueiva http://aqueiva.fr.wordpress.com/2008/09/21/valise-velha-e-curiosos-novos/

                     por Nilza Amaral

Eu sou uma valise. Certo que minha fechadura não é das melhores. Vive defeituosa e várias vezes me deixou exposta a olhares curiosos. Meu conteúdo não é muito interessante. Fotos amareladas, pensamentos pornográficos escondidos dentro de potes de maquiagem, beijos que roubei ao longo do percurso, cartas anônimas escritas por vingança, cheques roubados e não utilizados com receio de punições arbitrárias, e cartas de amor fora de moda. Não tenho grife. Meu modelo não atrai os mais afortunados e os pobres de espírito sempre me largam ao acaso. Se você me encontrar,  jogue fora tudo o que tenho por dentro e me presenteie com novos horizontes e poentes avermelhados cor de sangue de inocentes. Talvez possa me presentear com pátria amada, chefes de estado honestos, sem a ambição já declarada por Shakespeare em todas as suas tragédias, ou me conseguir atestados de idoneidades de irmãos rivais livres de fratricídios  bíblicos, uma escritura paga de uma bela mansão em condomínio de luxo no alto de uma montanha isolada, de onde seja impossível avistar pobres de espíritos e mortos de fome. Certa vez tive uma esperança. Uma ninfeta de roupas de laicra, pronta para as corridas da juventude, resolveu me vasculhar. Com um alicate de unhas afiadas desvirginou-me de minha fechadura emperrada. Perdeu horas com cartas amareladas pelo tempo,  de um amor antigo quando se morria de paixão, e todas as palavras concordavam significado e significante. Nada entendendo do código absurdo atirou ao ar as palavras do amado e da amada, que pipas esvoaçantes pairaram no ar por certo tempo e em seguida despencaram-se no mar de asfalto das avenidas. Outro aventureiro estuprador de valises, forçando a fechadura já violentada, descobriu fotos em sépia e evadiu-se aterrorizado atribuindo ao suposto dono do objeto o adjetivo de ladrão de túmulo. As valises encanecidas só abrigam surpresas se esquecidas debaixo de um banco de trem, ou à vista em bancos de jardins. Se tem aparência de aparatos terroristas, causam medo e permanecem intocáveis mesmo com fechaduras viciosas; porém, se encontradas por habitantes dos planetas viadutos, ou por mortos de fome de cartões postais da vida, estão expostas ao perigo de ter revelados seus segredos comprometedores para a humanidade. Todo invólucro de segredos é perigoso, principalmente quando o conteúdo é amor. E então, eu, valise sem atrativos pendentes,  permaneço semi-aberta, esperando por bisbilhoteiros interessados em descobrir tesouros perdidos. ´

Collage por Marco Aqueiva a partir de imagens obtidas em

http://www.flickr.com/photos/sfduggan/2229061582/

http://www.toutfait.com/issues/issue_1/News/images/BoxInValiseBIG.jpg

Já começa a chamar-me atenção pelo título: aquele ‘afinal' pareceu-me provocativo, como que pedindo uma resposta definitiva a uma questão aberta como é a do fazer artístico. Primeiras fases, subjetivismo, relativismo, ok, tudo bem, eu aceito. Logo em seguida, no entanto, já começo a franzir as sobrancelhas:

"Mas penso em arte quando ela é pura e verdadeira - não empulhação. Penso no artista quando ele é dotado de dom, de excelente técnica, de bom gosto e de espírito crítico."

Desfilam no texto então exemplos de obras: pneus empilhados, palitos colados, vaso sanitário, tocos de madeira, mictório com espelho. Aí que eu pasmei de fato: a arte que está sendo ironizada justamente deixou para trás pureza, beleza, bom gosto, estilo. Deixou isso não por ser pior que outra, mas porque permitiu redefinições: de si própria, dos artistas e do público.

Não compartilho da crença do dom, do gênio. Nietzsche diz que essa aparência do miraculoso é um dos truques dos artistas: depois de muito trabalho, tudo parecer ter sido feito como que por conexão com o divino. O gênio, apenas um modo de vaidade: enquanto são sobre-humanos não nos comparamos a eles e não nos sentimos menores, não atacam nossa auto-estima. Não sei do que está sendo falado quando se fala do bom gosto. Talvez se pense que quando isso é dito, estamos a tratar de algo indiscutível, mas está longe de ser. Acredito que o espírito crítico pode ser manifestado sem que nenhuma técnica seja utilizada (usando a palavra técnica num sentido estrito de plasticidade, do ‘feito à mão', dos modos tradicionais). Ou, de outra forma, a técnica, num sentido abrangente como uma estratégia, a criticidade pode vir somente por conceitos e idéias - e nisso não me restrinjo somente à arte conceitual, como pensariam alguns.

A arte é um convite a quem quiser explorá-la, uma provocação. Para isso, vontade, dedicação. A percepção é certamente uma porta que cada um deve abrir por si. Só acredito que alguma coerência deve existir, seja histórica, seja em argumentos. Apreciar a obra de Andy Warhol e dizer que arte é o contrário da repetição, do grotesco é uma incoerência. Com a imagem de Marilyn Monroe, exemplo do texto, Warhol criou uma produção massiva de repetições de imagens. Em certa exposição, Tunafish Disaster, o artista mostrava uma série de latas de atum que teriam matado várias pessoas, tendo sob elas as fotos das vítimas, sorridentes. Isso não é grotesco? E ele não apenas mistura os objetos, ele os usava propriamente, em serigrafias e fotografias: a lata de sopa de tomate Campbell's escolhida por ele não está misturada com nada e não possuía nenhuma diferença de qualquer outra que se encontraria no mercado. A seleção do objeto pelo artista é que o torna em estado de arte. Não se trata de criar a imagem, mas de selecioná-la. O objeto está em favor de uma idéia, não em si mesmo: não há nenhum esforço no sentido de tornar isso uma obra irreproduzível. Kitsch. Reles, banais, assim eram os objetos de Warhol.  O raciocínio de que um macaco faria (melhor) não funciona: qualquer pessoa faria, mas não com o mesmo intuito.

Que droga de Arte é essa afinal, se não é o que eu imagino que seja?

Nem sempre o que arte tem a dizer deve ser agradável, enternecer. Nem mesmo a emoção, que tanto louva a articulista, é pressuposto: arte tornou-se uma atividade, ao lado das demais, um sistema de signos como qualquer outro, essencialmente ligado ao pensar, imaginar. Dizer isso não significa que houvesse, antes, apenas apelo sensitivo: depois e além disso, existiam em muitas obras um sentido racional, também. O caso é que agora devemos nos despir das nossas expectativas habituais relacionadas à pintura e à escultura.  A mediação que se faz necessária é incomum. E se o que a arte nos disser for grotesco, mal-educado, imoral? Não veio para ser ornamento da sala, substituir um Locatelli, como disse ela. Lia, ao comentar, expressou bem a sensação que tive ao ler sobre a tentativa de Luso de achar a palitada uma maravilha:

"Pois, o problema é você considerar que arte tem de ser uma maravilha. Não tem. Arte tem de comunicar, abalar e quase fazer cair as paredes da casa (da sua casa, sua cabeça, suas certezas), pôr a funcionar o homem que pergunta, que se incomoda e que não se acomoda."

O uso de objetos, a idéia do ready-made, no entanto, já estava inaugurada antes de Warhol, com Marcel Duchamp. Dois expoentes da crise da arte que abandonaram a pintura e o desenho para fazer, como disse Tais, horrores. Arte que não vai agradar a praticidade de quem, como pude observar, está em busca de belas pinceladas, formas bonitas; aquilo que, sob um olhar, é obviamente uma obra de arte, única. Aliás, o objeto que foi um dos primeiros ready-made, roda de bicicleta, foi perdido. Ao que parece, foi posto fora pela irmã de Duchamp: talvez ele não se parecesse com uma obra de arte. Mas não se trata de lamentar, ou imaginar a perda do objeto em si: muito do esforço de Duchamp foi produzir réplicas de suas próprias obras, para expô-las mundo afora, fazendo com que o público se desfizesse da idéia de objeto de arte insubstituível. Ninguém deveria se chocar ao ver mictórios com espelhos; mictório como ready-made já foi apresentado há bastante tempo, ainda assinado como R. Mutt e chamado, carinhosamente, A Fonte. Quando apresentado, sob pseudônimo, criou-se burburinho entre os artistas de então: começara nova discussão sobre os limites da arte. (Ainda dá tempo de ver a exposição de Duchamp em São Paulo, no MAM, até 21 de Setembro. Corram!)

Houve, é claro, quem não gostou disso. Críticos na época das primeiras exposições, desde a gênese da ruptura. Percebo o apreço que deva ter quem escreveu tal texto, como tiveram aqueles que lamentaram pela perda da aura de sagrado e único da arte. Mas isso é assunto velho, há bastante tempo discutido. Pode ser que o direito de cada um de pensar como bem queira permita que toda essa forma de expressão seja negada, mas ela já está aí, há décadas, cheia de bons argumentos. Não me surpreende ou desagrada que alguém pense contrariamente a isso, rejeite essa construção que, aliás, não é condição absoluta: na atualidade, métodos de uns e de outros se mesclam, o contemporâneo conversa com a tradição.

Enganação ou empulhação, certamente existe. A nova realidade talvez seja um campo onde se torne mais difícil separar o que é bom do que não é. Mas esse é um risco constante em qualquer manifestação: há instalações que não dizem nada assim como há pinturas que também não o fazem. O pensamento fixado na arte plástica não vai alcançar a dimensão do que já se expandiu para ser definido como  visual; quiçá do que é auditivo, sensorial, encontrado em muitas bienais. Nesse ponto e em muitos concordo com João Grando, que também participou da discussão. O grande incômodo que me causou, e acredito que em muitas pessoas que leram e comentaram o texto, é o posicionamento de que, se não compreendo, logo não deve prestar; se não é conforme meus conceitos, é empulhação. Toda a falsa relativização e abertura posta nas primeiras frases do texto logo se desfazem. Há tempos a obra precisa do público, precisa dessa imaginação e desse pensamento, tornou-se uma interação indispensável: a arte já não se basta.

Quando falamos de coisas que desconhecemos, sejam elas novas, muito novas, como questionar se robôs podem produzir arte ou se a trajetória de vida de Michael Jackson é uma obra descontrutivista, cai bem que se tenha uma atmosfera de hesitação, dúvida: não sabemos o passo seguinte, não sabemos pra onde caminham as coisas, especialmente as de comportamento fluído, feito a arte. Mesmo em uma discussão como essa, envolvendo questões há tanto discutidas é necessária uma visão mais receptiva, nos levando a pensar se é aceitável partir do pressuposto de que tantas pessoas que trabalham com essa linguagem queiram apenas jogar objetos sem projeto algum.

Pasmados garanto que muitos ficaram ao ver tais obras. O importante é o que fazer com esse pasmo: procuro algo que explique, que me informe? Converso com alguém, busco uma elucidação? Ou digo que é uma porcaria e encho a boca ao fazê-lo? Há certas coisas que precisam de explicação; é necessário o interesse. Por essas e outras, muito está sendo pensado para promover a informação; a última Bienal do Mercosul, por exemplo, foi voltada para o aspecto pedagógico. Entre as obras e o público, mediadores. Eu, por exemplo, creio que estaria mais predisposta a buscar compreender o que é land-art do que entender de arte sacra. Mas meu bom-senso me diz que não posso sair por aí dizendo que arte sacra não é arte, completando com um petulante "e olha que eu tentei, viu?". Responder a argumentos com frases soltas, ou cair naquela velha construção de que ‘se você não fala o português correto seu argumento não vale' é que é uma grande empulhação.

A questão da enganação tem uma outra via: talvez a maneira de focar é que esteja enganando. Ao invés de observar atitudes, continua a olhar objetos. O clic não vai acontecer. Mas a palavra de ordem já foi dada: "Não quero imaginar," e muitos se afinaram com ela. A ignorância está, portanto, decretada.

Esta exposición permitirá aprehender una faceta más intima del artista. Contiene el libro titulado “This is Man Ray”, el cual a su vez, recoge los textos de dos conferencias apasionantes e inéditas que tuvieron lugar en Francia y Estados Unidos, respectivamente, con diez años de intervalo (1956-1966). Man Ray describe, en un tono muy libre y divertido, su vida, sus principios en Paris, sus encuentros determinantes, sus amistades con los escritores y artistas del movimiento DADA o de Surrealismo, evocando largamente su andadura artística. Estas dos conferencias se complementan y ofrecen un autorretrato vivo y sorprendente del artista.

El libro está presentado dentro de un cofre que contiene un segundo libro dedicado al taller, donde el artista vivía con su mujer Juliet, en el 2 bis de la rue Férou de París, en el cual se recoge una serie de 25 fotografías, en color y blanco y negro, hechas en su taller por el fotógrafo Carlos Muñoz Yagüe, poco antes de su destrucción. El cofre se podrá adquirir por 65€.

En la contraportada de este segundo libro esta incorporado el DVD "Man Ray, 2 bis rue Férou", hecho por François Lévy-Kuentz realizador de diversas películas de arte como "Yves Klein, la revolución azul" (2006). Este cineasta hace una verdadera inmersión en el universo de Man Ray en que evoca la figura del artista deambulando entre sus obras y objetos fetiches o cotidianos. Se rodó en su taller en presencia de Juliet Man Ray y tiene una duración de 23 minutos.

Para completar la exposición se reconstruirá parcialmente el taller de Man Ray con obras y objetos originales, gracias a la inestimable colaboración de la señora Marion Meyer, Presidenta de la Asociación de los Amigos de Man Ray y comisaria de la exposición.

::MENTES-INQUIETAS::

Yuseff ganha-me a palavra e diz:

- Todos os olhos dos homens estão voltados para o pobre (inevitavelmente pobre) mundo cotidiano do homem. O homem comum, o homem do povo, o sentimento de intimidade, as mesquinharias da vida prática, os pequenos sentimentos de solidão, os lampejos extraordinários que ocorrem na vida medíocre, tudo isso é o alvo onde repousa os olhos dos artistas de hoje. De hoje e de ontem também, porque já faz mais de século que a poética do homem comum vige hegemonicamente aqui no ocidente.

- Não é por outro motivo que a lírica domina a poesia. (E lírica reduziu-se à exaltação do supérfluo.) Também não é por outro motivo que o sentido do existir vem sendo buscado na mitologia da vida individual, na história pessoal (traumas, desejos, na consciência e inconsciência) de cada um. Os grandes também sucumbiram à tentação de compreender a possibilidade de ser um indivíduo e ao mesmo tempo estar imerso num mundo banal, comum a todos.

- Ser e Tempo, o grande livro de filosofia da primeira metade do século XX, ao contrário do que muitos querem, trata da constituição ontológica da vida cotidiana. Heidegger ardentemente se perguntou como é o homem em seu cotidiano. Ou, que homem é o homem em seu cotidiano. Indagou também como livrar-se desse homem. O resto, as ponderações e conclusões sobre o tempo e a história, ele mesmo as refutará ao longo de sua vida. Era sobre a possibilidade de existência do homem comum que ele debruçava seu olhar.

- Quando Duchamp coloca um objeto do cotidiano no museu ele consolida a corrente que sairia vencedora. O homem que só enxerga o minúsculo homem cotidiano não pode ver arte senão em seu frágil mundo pequeno. O homem comum venceu e nos tornamos todos homens comuns. Dos escombros dessa guerra (entre homens e mais-que-homens) ergue-se a máxima de que todos os homens são substituíveis. Substituíveis como um objeto de decoração. Tal como o penico de Duchamp.

- Pois bem, creio que há que voltar os olhos criativos para outro espaço. Creio que há que colocar o homem fora de seu apartamento, de seu microuniverso de relações. Colocar o homem numa praça cheia de outros homens que ele não ama nem desama, e deixá-lo ser em público. As suaves verdades da intimidade são incomunicáveis. (É bom que seja assim). Mas a Verdade só se diz em público. Ali, entre outros homens, entre outras feras, numa arena em que todos tem garras afiadas, é que o homem pode chegar a ser algo valoroso. Entre os homens é que se é homem. Não contra, nem apesar de. E estando ali, colocando o sentido de ser homem em jogo, em disputa, é que a humanidade do homem aflora e brilha (ainda que instantaneamente).

- Eu disse que a verdade só se diz em público. Essa verdade não é um conjunto de frases, de enunciados verdadeiros. Tampouco tem que ver com uma honestidade ou sinceridade. Mas dizer/mostrar uma verdade em público é deixar ser um homem que ainda não existe.  É como se o ato de dizer ou mostrar esse homem condicionasse que esse homem existisse. É isso que devemos fazer. Não falar do que já somos. Mas tender a um ser que nos chama, abrir-se a um jardim que não existe mas nos espera.

Eu escuto em silêncio e penso que algo poderoso palpita nesse discurso fundamental. E pondero por fim que se ninguém sai a dizer ao mundo o Yussef me diz, terei eu que o fazer.

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Curitiba, 17 de setembro de 2008.

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Paul Miller, also known as DJ Spooky That Subliminal Kid, internationally recognized musician, writer, and conceptual artist, recently performed at the Dallas Museum of Art in celebration of the exhibition Societe Anonyme: Modernism for America. Before his performance, he spoke with Museum staff about the influence of artist Marcel Duchamp on his work and career.

Additional information on DJ Spooky's interpretation of "Erratum Musical" can be found in:

On The Record: Notes for the "Errata Erratum" Duchamp Remix Project at LA MOCA

Marcel Duchamp és dels qui més s'han apropat a l'ideal de fer de la vida una obra d'art. Per a ell, i per primera i darrera vegada, col·locar una urinari dins un museu és art, disfressar-se de Rrose Sélavy és art, respirar és art, morir d'un atac de riure és art. La seva vida alhora exemplar i inimitable fa esclatar la vella bombolla estètica. Podríem parlar, potser, d'un esteticisme absolut, perquè en ell res no queda al marge de la mirada del visitant de museu (“No es pot fer res que no sigui una obra d'art", deia). Però també tindria sentit parlar de la negació de tot art: quan un concepte ho engloba tot, vol dir que ja no significa res de res.

Aquesta explosió és possible justament perquè Duchamp redueix l'obra d'art tradicional a l'absurd. Concretament, mostra que, en el moment històric que li ha tocat de viure, per fer una obra d'art només calen cinc elements:

• un objecte físic qualsevol (preexistent, ready-made, que pot ser el cos mateix de l'artista),
• un títol qualsevol,
• un nom d'autor (real o fictici),
• una data (posterior al 1900),
• un públic o un espai delimitat de contemplació com ara una galeria o un museu.

Aquesta voluntat de reduir pot recordar-nos, en forma de paròdia, el gest de Parmènides. El pensador d'Elea, en esmentar per primera vegada en la història d'Europa una estranya entitat anomenada "allò que és", esfèrica, immòbil i perfecta, que resumia i condensava tota la diversitat anterior, va posar fi virtualment a una tradició i en va començar una altra. Fou un punt d'inflexió clar i enlluernador, per més que, en termes reals, el tall no fos net i que, a partir d'aleshores, les dues tradicions, la vella i la nova, convisquessin i es retroalimentessin com vasos comunicants.

Duchamp també pensa i representa una totalitat momentània que marca una ruptura. En exposar un urinari, mata l'art i el vivifica en l'hora de la seva mort. Després del seu acte d'afirmació i destrucció ja no es pot repetir el mateix gest amb la seva força original, per més que els imitadors d'artista s'entestin a intentar-ho. Si la lògica dels fets seguís la dels conceptes, potser hauríem pogut donar per acabada la història de l'art en aquell moment. Com que no és així, a partir de Duchamp les dues tradicions, la vella de la pintura d'“efectes retinals" i la nova de la ruptura i la negació, continuaran desenvolupant-se, afeblides, en fricció l'una amb l'altra, s'entrellaçaran, es refermaran en la seva pròpia precarietat, sobreviuran a la seva pròpia mort com ànimes en pena.

Aquests dies, al MNAC, es pot veure, entre altres obres de Duchamp, una bona rèplica (!) del seu urinari. He sortit de l'exposició amb un regust de tristesa, com si acabés de veure els animals dissecats d'un museu d'història natural. Els plantejaments de Duchamp han passat a formar part de la consciència general de l'estètica contemporània, però el seu art, justament pel seu caràcter únic, radical i irrepetible i per la seva vinculació amb una situació cultural molt concreta, sembla avui més mort i més lligat a un moment històric que les pintures de Miró, Cézanne o Giotto. Davant el seu urinari, s'imposa el veredicte de Hegel: ens interessa més la reflexió sobre aquesta obra d'art que no pas l'obra en si mateixa.

One thing that I have noticed when people critique art is that they want to put a name to whatever they are looking at. For instance we have a painting like Duchamp's "Nude Descending A Stairway" where we are not sure what we are looking at. Yet we look at the title and see what it is called. It says that it is a Nude descending a stairway so we automatically give up the fight to let our minds wander for ourselves to figure out what it is. There are tons of abstract pieces where you will sit and look at it and wonder what it could be, or what the artist was trying to represent or communicate. Art is a way to communicate with others so it always is an abstraction of something that we are trying to put across. Weather it be an idea, a concept or something pulled from life. I know some artists who say that when they create their art they are not trying to put any kind of message in it, they will just draw whatever they feel like. When it gets into our hands it can be molded into anything. It could be something pleasant or made into some thing offensive or with an alternate agenda. Only the artist will know what it is they were trying to do or not do. With this painting, which I love very much I might add, I see something different than what the title dictates for us. I see a wooden, angular beast in motion. As an animator I can readily appreciate the way he was trying to describe the movement. It is much like how we animate on our papers and how we see it on our tracing tables. Each movement is drawn out and shows the beauty of motion, all while expressing it in a way people may not understand. So while he was giving it this name and making us see what he was trying to do, it gives us something to hold on to. Not everyone is going to know Muybridge and his work, or understand that this creature is in the act of something. We only know it is what it is and the artistist says it is a nude figure in the act of going downstairs. The only thing I worry about when people critique work is that they want to vocalize what they think it is to subjectify it and make it understandable to them without letting themselves wallow in the wonder of what it could be.

-Sierra Lewis

September 10, 2008

I received an email in the morning from a vendor rep which read (I hope she won't mind me pasting it here): "Realize this is short notice, but we have an open spot at a client/agency appreciation event tonight at MOMA starting at 5:15 pm. Would love to have you join if you're available. It's a private tour of the galleries followed by cocktail hour within the museum. If any of you are art enthusiasts, let me know as soon as you can and I'll add you to the list."

You can probably imagine my heart skipping a beat after this. Not that I know a lot about art, but I do appreciate museums and any sort of private tour is always a bonus, not to mention cocktail hour.

Although this is technically a blog about eating, I think that eating and food presentation can be considered an art, and since they are not so far removed from each other, I'll briefly touch on a few artists that I remember from the one-hour private tour at the MOMA.

We started with the history of modern art - great pieces by Van Gogh, Picasso, and Braque. With Picasso's Demoiselles D'Avignon (Five women from Avignon), the museum tour guide explained that cubism is the art of using shapes to show many different perspectives of the object through a one-dimensional medium of the canvas. It's almost as if you could peel the object off the painting, and construct it into 3-D form by simply taking the shapes the artists present and gluing them together.

We moved on to Matisse, who had a different perspective on modern art. In his Red Studio, he uses a solid red background, but is able to convey the sense of three-dimensionalism despite a lack of shading or depth.

The tour ended with some pieces that most think about when they think about modern art - Jackson Pollock, Marcel Duchamp, Robert Rauschenberg, and ended with a few pieces by Andy Warhol.

Before I talk about the food aspects for this post, I do want to pension that Jackson Pollock is among my favorite modern artists. Some people may think that his work is pure chaos, but that day, standing there in front of the paint splattered Number 31, I connected with the work. To me, there is structure admist the wilderness in his work, and to me, it represented life, the connections, the fabric, the network, the spontaneity, love, hatred, everything. I imagined Pollock dancing with the paint on his canvas, the beauty of the strokes, pre-meditated yet unknown. I almost started crying.

Ok, a little bit to philosophical and sentimental for this blog space. Let's talk about the food...

The Modern

www.themodernnyc.com
9 West 53rd Street
213.333.122

The Modern is actually a dining are connected to the MOMA, but remains open after the museum closes. The atmosphere is chic, modern, (obviously) - everything you'd imagine in a small trendy restaurant attached to one of the world's most celebrated museums.

We were ushered to a special room booked specifically for our host company and served a choice of red wine, white wine, champagne, and typical cocktails.

Hors D'oeuvres:

• Salmon Tartare with sunny-side up quail egg on top - this was my favorite hors d'oeuvre of the night. I love quail egg, and it was presented in a lovely way. The egg complemented the taste of the salmon very well, and the crouton on which the salmon sat created a contrast of textures.
• Crab ravioli - also delicious, the ravioli was slightly fried to create a concept similar to a samosa.

Overall on a scale of 1-10: 8 this score is based solely on the cocktail hour, so I wasn't able to try the dinner menu, but it was a great way to spend an evening at "work".

Diz o autor da crítica: -"Dizem-me que Batman, ou Super-Homem, é uma metáfora profunda sobre a nossa condição solitária e urbana; heróis derradeiros da pós-modernidade. Não comento. Exceto para dizer que morro de rir quando vejo um ator, supostamente adulto e racional, enfiado num pijama colorido e disposto a salvar a humanidade das mãos maléficas de um vilão tão ridículo e tão colorido quanto ele.

Sem falar dos fãs: homens feitos, alguns casados, que continuam a acreditar que um super-herói em pleno vôo compensa todas as ereções falhadas."

Vigilantes. No cinema. Recordei-me, de bate-pronto, de Seinfeld durante apresentação stand-up em episódio da primeira (ou segunda) temporada do sitcom homônimo: -"Quando os homens estão crescendo e lêem Batman, Homem-Aranha, Super-Homem... aquelas não são fantasias... elas são opções". O comediante sabe do que fala; o jornalista Coutinho, por outro lado, vive no mundo da lua - ou aquém -. Ao menos no que diz respeito a vigilantes no cinema. Ou ao cinema.

Ao cinema: Renoir, Bresson e Bergman fizeram parte da adolescência cinéfila de Coutinho. Escapulidas, pequenos desvios de sua personalidade iluminada, levaram-no a assistir filmes das séries Dirty Harry e Desejo de Matar, com policiais ou vigilantes linha-dura que, armados de pistolas enormes (aliás, eles nunca falhavam, não com instrumentos daquela magnitude - quem precisa voar quando se leva no couro uma arma maior que seu braço? -), faziam valer sua lei.

De volta a Renoir, Bresson e Bergman: eles não são os criadores do Big Brother, o programa de TV; cito o programa errado, pensava em realismo, tempo real. O programa dos bisbilhoteiros de temporada é tudo menos real: os personagens, ou participantes, são escolhidos a dedo e o cenário é cuidadosamente montado para criar rivalidades, lazer e beleza, a edição realizada por profissionais gabaritados. Entrando por uma perna de pinto e saindo por uma perna de pato, eis onde quero chegar: não existe realismo nas telas da TV ou do cinema (parece conversa de amadores de outras telas, hemisféricas - porque não conheci um único profissional na área, no país -). Von Trier já falava deste tipo de chato quando comentando sobre críticas feitas pelos norte-americanos ao filme Dançando no Escuro, de sua autoria: -"E daí que nunca pisei nos Estados Unidos? Não posso criticar o país por não conhecê-lo em pessoa? Conheço A América muito melhor que os norte-americanos conheciam Casablanca, quando fizeram o clássico filme."

Coutinho mimetiza Schopenhauer, ao lidar com um mundo imutável, considerando um ideal de público e obra; ou não, porque ele também roda na contramão ao escrever um texto polêmico que provoca e pretende vender.

Foram duas as conversas sobre temas que se aproximam a este, ainda esta semana. Com Santos, a discussão girou em torno das marcas que diferem o entretenimento da arte. A conclusão a que cheguei (e que lhe causou espanto, por ser perspectiva nova, para ele) é a de que os posicionamentos da arte e do entretenimento são causados majoritariamente por quem os consome. Digam que estou enganado, por favor. Warhol é pop e entretém. Picasso mexe com perspectivas - geométricas, psicológicas, todas - e entretém. Von Trier é denso, provocador, cria náuseas e entretém. Caso nenhuma deles fosse visto, comercializado, consumido, nenhum deles existiria. A arte não independe do público, como alguns artistas adoram falar por aí. O consumo a define, pro bem ou mal. Esta conversa se desdobra facilmente em outro texto, principalmente depois das tolices que li em postagem sobre arte. Fica pra depois.

A segunda conversa em torno do tema (perifericamente, diga-se de passagem) referia-se a conteúdo educacional, que atinge status de arte na boca dos aficionados de plantão. Dizia a purista que conteúdo educacional deve ter o máximo primor possível. Concordo em gênero número e grau, mas discordo que o primor educacional deva ser atingido em mais de 40 anos de repetições e minúsculas variações, atingindo meia dúzia de outros puristas. Numa cidade com 11 milhões de habitantes, nenhuma aula pública será minimamente decente ao atingir 1% da população. Se cópia é sinônimo de qualidade, Duchamp é o maioral.

Difícil, conhecendo uma perspectiva histórica, não imaginar um curso de alfabetização em que o aluno, após 20 anos estudando, já conhece as vogais e, feliz, ouve seu mestre lhe dizer: -"Bem, agora podemos passar às consoantes. Mais 60 anos e poderás pegar um livro, creio." Mais fácil passarmos a viver mais a adequarmos o ensino às limitações cotidianas. Uma bobagem, o plano dos idealistas: querem (e acreditam, com furor) aprender em uma hora o que profissionais desenvolveram em suas cabeças em anos de estudo, enfurnados com livros e chafurdando informação.

Fugi dos filmes? Volto. O tempo, a duração de um filme, é dimensão extra para o artista ou construtor e como tal serve de limite e restrição à obra. Em geral, 120 minutos é todo o tempo que se tem para expor o todo - ou a parte que interessa: as propostas mudam e as restrições continuam a existir, sejam elas quais forem -, o limite para despejar toda a informação e transformação desejadas sobre o público. Se queres aprender algo, procurar por uma única obra (qualquer que seja) é o caminho mais infeliz a seguir. Se queres aprender a fundo, melhor que percorras todos os caminhos possíveis. Que fique o idiota da objetividade com uma única verdade.

Luciana pinçou pedaços do texto de Coutinho pra demonstrar o quanto ele queria desfazer-se do público que gostou do filme: burros, ridículos, impotentes. Cara Carolina não pinçou: preferiu dar lustre ao polemista, exibindo-o como alguém à procura de atenção. Tive a pretensão de fazer comentários, muitos, sobre pontos específicos do texto e me perdi falando em arte. Que seja. Não entendo nada de arte e Coutinho, nada de filmes.

Getting into the more political side of Benjamin’s essay was not my intention here, but more so to look how the idea of art is changing when the promise of money is not guaranteed as a result of reproduction. Benjamin seems to feel that although the aura of a piece may become diluted the ability to express is multiplied, speaking of a more digital world that is. Although now maybe an overused pop icon of the underground street art movements, it is interesting to consider the artist(s) Banksy, whose fame has exploded over the past 4 or 5 years. Many people are aware of a variety of his street pieces, large and daring, in your face, often critical of society, and all available over the internet for us to view. I personal know maybe 3 people who have seen his work, but everyone knows him and knows what he’s done because of the internet. Although his work exists in the real world somewhere, the true power of his work is that the same image may appear on ones computer screen across the world. He receives no money from us as we view them, but the value of his original work soars (what is more ironic of the banksy character is when he began he spoke against selling art, while now even celebrities clamor for his work to help their image). Either way, the act of reproducing his work has only helped increase his power. I cannot help but remember Dalí reproducing many of his pieces to increase his profits, and now many do not command nearly the value they had initially. It will be interesting to watch what happens in the digital age, does Banksy hold his value and make it into the realm of some sort of avant-garde or crash as the next trend of the internet generation casts him in the shadows.




The words of Marcel Duchamp are probably the most haunting for the brave new world art has begun traveling through. Having removed himself from the art world and taken a job in order to support his art and not have to depend on the sales of his work, he speaks of creating art in an effort that seems to attempt to remove all outside pressures. Art for arts sake maybe, but truly art for the people rather than the cult, he was not concerned of whether his wealthy patrons would purchase the bicycle wheel and more so of the perception and theory it presented. The art though is not art without the viewer, Duchamp was more than aware of this fact, and as Benjamin noted, he and the Dadaists wanted to outrage the public and make them question the entire notion of art - that was part of the art, the act brought forth from the viewer. Duchamp also had a curious interest and brilliance in the act of reproduction, this culminated in the Readymade works - mass produced objects elevated to the status of art - he even went so far and to create reproductions of the Readymade, essentially a reproduction of a reproduction. The brilliance in this was that the act of the reproduction was part of the art and was added on to the art of the viewers reaction.




Being in this new digital age, the capabilities of art have expanded exponentially and great controversy is still in our midst. The question of reproduction and the dilution of the aura of a work of art is only more relevant than ever before. As the act of re-appropriation and remix art becomes ever more prevalent, our understanding is only further thrown under the bus. It is without question though that reproduction, duplication, and the cut/copy method are very much a part of the artists tools; ethically though where is the line? That may already be know, for it was Marcel Duchamp who used a postcard of the Mona Lisa with added facial hair as a work of art.

Comme je n'ai pas trouvé de notice biographique décente sur le web (il y a bien des biographies nulles mais je ne donnerais pas les liens), je vais vous tracer son parcours rapidement.

Man Ray en deux lignes

Man Ray est un artiste américain qui a été photographe et a vécu longtemps en France au contact de l'avant-garde artistique. Si vous voulez briller en société, sachez que son vrai nom est Emmanuel Rudnitsky.

Man Ray en dix lignes

Man Ray, vers 1915, découvre la photographie qu'il utilise pour reproduire ses tableaux : progressivement il détruit ces derniers et se consacre à la photographie. Duchamp, qu'il connait déjà, l'invite à Paris en 1921 et le présente aux dadas. Il devient portraitiste de l'intelligentsia, rencontre le succès et fréquente les artistes de Montparnasse. En parallèle, il travaille pour la mode et notamment Vogue, dès 1925. Ces activités lui permettent de gagner sa vie et de se consacrer à des recherches personnelles. Il découvre le "photogramme" en 1920 et lui donne son nom ("rayogramme") ainsi que la "solarisation" en 1930 (nu solarisé, 1933). Il se livre aussi à des expériences multiples de flou, de surimpression (Demain, 1924), à l'usage de la métaphore dans les titres de ses œuvres (la Prière, 1926), et bien sûr à l'humour (le violon d'Ingres, 1924). Man Ray sera aussi cinéaste et publiera un ouvrage en 1963 (self portrait). Il est l'objet d'une rétrospective dès 1966 au Los Angeles County Museum.

Ces éléments de biographie sont adaptés du Dictionnaire mondial de la photographie (chez Larousse).

Man Ray a fait l'objet d'une exposition récente à la Pinacothèque qui m'a laissée sur ma faim. La Pinacothèque c'est souvent racoleur, c'est toujours cher et parfois c'est décevant : je ne sais pas s'ils feront autant d'entrées en 2009 qu'en 2008. Pour ma part je serai plus sélectif dans mes prochaines visites.

Man Ray, Le Violon d'Ingres, 1924
Epreuve gélatino-argentique montée sur papier
31 x 24,7 cm (hors marge : 28,2 x 22,5 cm)
Achat 1993
AM 1993-117
© Man Ray Trust / Adagp, Paris 2007

Man Ray, La Prière, 1930
Photographie sur toile, 32 x 23 cm
Galerie À l’Enseigne des Oudin, Paris
© Man Ray Trust / Adagp, Paris 2008
Photo : Galerie À l’Enseigne des Oudin

the dada art movement offered something new to the art world and something innovative; it offered a rejection of the prevailing standards in art that society had previously been encapsulated with. many dadaists believed that “reason” and “logic” associated with the capitalist society had caused people to be led into war. through the dada art movement, they were able to reject “reason” and “logic” and create art that was sometimes irrational and often times chaotic.

these artists truly freed themselves from everything “artistic” that they knew and brought a new form of art to the world; they would have been able to stack sponges on top of each other and call them art or turn a urinal upside down, give it a new name, a new context, and create something that would otherwise be seen as beautiful (a fountain).

all of this art, lest we forget, was rooted in the idea of being anti-war propaganda and the published journals and prints from this time made that very apparent. from across europe to the united states, people began to find art as a way of expression against a cause. art became about something they believed in.

this concept of making art out of a belief or a common goal is one that is highly intriguing. even in today’s society, stencil art, and artists such as banksy produce pieces of art that are very much propaganda and very much speak out against everything ranging from politics to art itself. the dada movement continues to influence artists across the board, and is even said to be the start of post-modern art.

contemporary gallery artists such as matthew brannon produce prints that have the same complexity as dada art had and also carry an immediate graphic punch to them. brannon’s work, in particular, relies on the associated words to correlate with the images for the overall impact. much like the dada movement, it was an integration of art forms that carried their message to the masses. it was integrating word and image. it was integrating theatre and poetry and literature and everything of the sort; uniting many facets as one in order to convey a message.

another movement involved heavily into integration was the bauhaus. one of their main objectives was to unify art, craft and technology. they too were going against the set standard by wanting everything to be created in accordance with first principles rather than by following a precedent. however, this industrial time of art and design also gave way to a new look into form and function. the mathematical aesthetics applied to the bauhaus movement and the production of their art was always very precise; creating an ideal form that correlated perfectly with its function.

these two movements were very different in nature but both were very innovative. relying on technology and mass media, dada provided a time that offered art to the masses in new ways. the bauhaus brought about new ideals and ways of maximizing the use of objects to create an ideal incorporation of integrated arts.

even today, integrated arts is very prevalent and often encouraged. going against the normal and creating something new; offering something unseen is often inspiring and always innovative. much of this sensibility can be traced back to the time of dada and bauhaus when innovation and inspiration collided to form these two art movements that very heavily impacted twenty first century art as we know it.

knowing about the impact that dada and bauhaus have had on society is integral in not just creating art but also in attempting to understand it.

although in friends, chandler wasn’t the biggest fan of a giant tower of sponges, had he known the context of a urinal flipped upside down or a bicycle wheel mounted to a stool, he might have given a cylindrical pillar of kitchen utilities a second thought. maybe there was a meaning behind the sponges and maybe there wasn’t? but even had they not had a meaning, they would have still had an intent; especially to artists such as duchamp. they would have still had an ideal belief behind them that they were supporting despite being seemingly simplistic.

-matthew g. olin

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As I was reading on Dadaism, Bauhaus, and the Futurists it is hard to not acknowledge their almost direct influence on our current state of art and it theory. This said, I started to wonder, if we admired the Dadaist so much why are we still trying to produce work like them - how not Dadaist, André Breton would certainly think we’re pathetic. I mean we’re all sitting around talking about how difficult it is to create an entirerly original work of art, so we look at the Dadaist, which is a good idea because they were incredibly original, political, and had an ability to recreate their societal influences in a way that even the street art of today is really just following under. As for art theory, we have philosophized and deconstructed and turned things upside down and inside out in our efforts to understand art, but really Post-Modernism isn’t all that advanced when we realize much of its theory is built often upon Dadaism and Futurism. And really what advances have been made in color theory that don’t make Josef Albers and the Bauhaus not look quite so brilliant? It is not much of a leap to link nearly all modern design work to the thoughts begun in the Bauhaus, either. If I was ambitious, I’d tell you architecture to but I don’t know enough in that area to touch on it, but I would not be surprised if it was just as highly influenced by these movements as well.

Now, I do not mean to say that this is a bad thing to take great inspiration from three of the great conceptual powerhouses of 20th century art and theory. Rather, it is a good thing, if we were still adapting our understanding of art just through Michelangelo or David then the variances of art would be incredibly depressing. I just feel that in our admiration for these great movements, we may depend on using their styles a little heavily and should strive to progress them rather than further popularize them. It is curious to note here that Duchamp did state at one point that he was never really creating art for people of his time but rather for those 100 years later, he felt his work would then really be understood. Maybe it was his hindsight-bias or maybe he really understood this to be true - He was not wrong though, and it hasn’t even been 100 years since Nude Descending a Stair Case, No. 2. Ultimately, we need to progress on their ideas because thes