1. Le mini-studio
2. L’éclairage
3. Le matériel de prise de vue
4. La prise de vue
5. Le post-traitement

Le portrait en trois vues

Pour sujet de cette étude, une jacinthe fleurie en pot. J'ai toujours eu du mal à réaliser des images intéressantes de cette fleur, aussi ne suis-je pas mécontent du résultat obtenu lors de cette séance-ci. Je procède toujours en trois plans successifs : d'abord la fleur en entier, puis je me rapproche jusqu'à photographier de détails de très près, dans le domaine de la macro.

Choix du fond et de l'éclairage

J'utilise habituellement trois couleurs de fond : un blanc, qui par le jeu de l'éclairage peut paraître gris à volonté ; un noir et enfin un rouge. Dans ce tutoriel, je veux vous montrer, entre autres, la création d'un arrière-plan à halo au post-traitement. Je pars donc sur le fond blanc. J'éclairerai ici ma jacinthe avec la tente à lumière et les lampes 5000° K. Je vous renvoie à la deuxième partie de ce tutoriel pour de plus amples détails sur le matériel d'éclairage utilisé.

Éclairage : les grosses fautes à éviter

Pour la mise en place de votre éclairage, il y a deux règles vraiment impératives à respecter dans (presque) tous les cas, sauf effets spéciaux délibérément recherchés.

Pas de mélanges de lumières. La lumière est principalement caractérisée par sa température de couleur, exprimée en degrés Kelvin. 5000° K pour l'éclairage de mon mini-studio, 6400° K pour une lumière du jour plus ou moins standard. En prenant des images au format RAW, une erreur sur la température de couleur se rattrape assez facilement. Mais pas un mélange de lumières. Si votre sujet est éclairé à la fois par la lumière d'une fenêtre et une lampe de studio, vous allez droit à une dominante sur une partie seulement de la photo. En pratique, fermez les volets de votre mini-studio si vous travaillez en éclairage artificiel. Ou éteignez tout si vous travaillez en lumière naturelle.
Un seul soleil. Les photographes issus d'autres galaxies sont dispensés de cette règle, mais nous autres Terriens éviterons comme la peste les images à deux systèmes d'ombre. Votre éclairage doit donc comporter une source lumineuse principale, qui crée l'ombre et une source secondaire qui éclaircit celle-ci. Mais en aucun cas on ne doit voir deux ombres distinctes pour le même objet.
Dans le cas particulier de la tente à lumière, si vous écartez vos sources lumineuses de la toile, vous obtiendrez un éclairage totalement dépourvu d'ombres (et de reflets). Si au contraire vous les rapprochez, presque à toucher la toile, vous pouvez créer un modelé léger.

Vitesse et vibrations

Nous allons travailler en vitesses lentes. Entre 1/2 et 3 secondes, la plupart du temps. Ceci oblige à quelques précautions particulières, pour éviter des vibrations qui nuiraient au piqué de l'image...
L'appareil est évidemment fixé sur un pied. Et déclenché avec une télécommande. Voir le billet précédent pour plus de détails sur ces matériels. Encore faut-il serrer les divers réglages du pied avant la prise de vue pour éviter une mauvaise surprise...
Votre reflex dispose probablement d'un mode de prise de vue "miroir relevé". Ceci consiste à dissocier les opérations de relevage et descente du miroir d'une part, et de prise de vue effective d'autre part. Le mouvement du miroir étant source de vibrations, ce mode "miroir relevé" est à utiliser de façon systématique dans la zone des vitesses entre 1/15ème et 5 secondes environ.
Réduire les vibrations signifie également que personne ne doit se déplacer à proximité de votre mini-studio au moment des prises de vue. Et que le photographe prendra soin de rester parfaitement immobile au moment de déclencher. Pour plus de sûreté, je m'assieds habituellement sur une chaise avant de pousser le bouton.

Diaphragme et profondeur de champ

La règle est simple. Plus vous fermez le diaphragme, plus la profondeur de champ, la zone de netteté dans votre image, sera grande. Attention néanmoins à la tentation de "visser à fond". Dans mon billet sur le paysage dans la neige, je vous avais déjà mis en garde contre le phénomène de diffraction, qui fait chuter sensiblement le piqué de l'image au-delà d'un diaphragme lié à la taille du capteur. C'est pourquoi je m'abstiens de fermer au-delà de f/16.
Si vous avez absolument besoin d'une profondeur de champ plus grande, il faut recourir à une autre méthode. L'assemblage d'une série de photographies, prises à des réglages de distance progressifs pour former une sorte de "panorama en profondeur". Je réalise ce type d'image au moyen de l'excellent (et gratuit) logiciel Combine-ZM. Voyez un exemple du résultat ci-dessous.

N'ayez pas non plus l'obsession de la profondeur de champ maximale. On réalise de très belles macro-photographies en jouant délibérément avec une profondeur de champ courte, et donc un diaphragme plus ouvert. Essayez ainsi l'une ou l'autre vue à f/4 ou f/5.6, surtout de très près.

Exposer à droite

Votre appareil photo répartit fort inégalement les informations qu'il stocke dans ses fichiers entre les zones claires et les zones sombres de l'image. Une énorme partie est consacrée aux zones les plus claires. C'est pourquoi il convient d'exposer l'image autant que possible sans entrer dans la zone de surexposition. Et de bien contrôler les résultats obtenus. Vous pouvez "remonter" les zones sombres au post-traitement et y faire apparaître des détails, mais au prix d'une forte montée du bruit. Par contre, plus rien à faire pour une zone claire "crâmée" qui n'a enregistré aucun détail.
Dans notre cas, la tente à lumière produit un éclairage très peu contrasté, et nous pouvons tranquillement "exposer à droite". Cette expression vient de la forme de l'histogramme représentant dans Photoshop ou autre les valeurs d'exposition de l'image. Je veux un histogramme dont les pics soient nettement décalés vers la droite, les hautes lumières. L'histogramme ci-dessous montre une surexposition, mais dans des zones du fond qui ne m'intéressent absolument pas.

Pour arriver à ce résultat, nous pratiquerons donc le bracketing. C'est-à-dire prendre plusieurs photos avec des valeurs différentes d'exposition pour déterminer ensuite quelle est la meilleure et rejeter les autres. Je trouve plus commode en studio de travailler en mode entièrement manuel. Comme c'est la profondeur de champ qui importe le plus pour ce type de photographie, c'est uniquement la vitesses que je vais faire varier pour réaliser mon bracketing.
Votre écran de contrôle, à l'arrière de l'appareil, peut être paramétré de façon à vous indiquer, par des zones noires clignotantes, les parties brûlées de l'image. C'est à dire celles où le blanc pur est atteint. Il n'est absolument pas gênant que le fond blanc soit... blanc.

Le point à surveiller, en agrandissant cette image de contrôle, est la perte de détails dans les pétales situés en périphérie de la fleur, juste sur le fond blanc. C'est ce détail précis de l'image que montre la photo ci-dessous. Si les contours commencent à être "mangés" par le blanc, il faut diminuer l'exposition. Vous choisirez en pratique l'image la plus exposée avant l'apparition de ce défaut, comme celle présentée ici.

Sensibilité

Est-il besoin de préciser que, pour une qualité d'image optimale, la valeur ISO sera toujours réglée au minimum ? Sur mon boîtier, 100 ISO.

Pixels utiles, faux fonds et cadrage flottant

Pour finir, une technique qui pourra vous sembler curieuse, mais qui permet d'améliorer amplement la qualité de vos photos. Et que je m'étonne fort de ne pas avoir lue ailleurs.
Nous travaillons sur fond blanc. Avec un mini-studio de taille limité. Un matériel d'éclairage amateur. Pourquoi, dans ce cas, ne pas consacrer toute la surface de la photo prise aux détails utiles de la fleur, en recréant dans Photoshop les zones de fond manquantes ?
Cette solution radicale n'a pour moi que des avantages :
Tous les pixels disponibles de l'appareil photo sont consacrés aux détails de sujet. Le gain de qualité est important, comme si vous faisiez une photo normale avec un capteur nettement plus grand.
Je ne suis plus limité dans mes cadrages par la taille et la forme de ma tente à lumière ou mon mini-studio. Un cadrage horizontal 16/9ème avec une fleur fortement décentrée sur la gauche m'est ainsi permis sans difficulté.
Je n'ai plus à éclairer de façon homogène qu'une zone réduite de mon arrière-plan, ce qui est beaucoup plus aisé avec le matériel dont je dispose.

Ainsi, la jacinthe au format carré n'a pas du tout subi un recadrage pour arriver à ce rapport 1/1. Il s'agit tout au contraire de l'extension au post-traitement d'une photo prise verticalement à l'origine. Je vous montrerais dans le prochain (et dernier) épisode de cette série la façon de réaliser cette manipulation, très simplement, dans Photoshop.

En pratique, je réalise à la prise de vue ce que j'appelle un cadrage flottant. Un cadrage sur trois côtés seulement. Je cadre ma fleur de façon à ce qu'elle remplisse l'image au maximum, en réservant seulement l'espace voulu pour la respiration de la photo en haut, en bas et à gauche. L'espace manquant sur la droite sera recréé ultérieurement. Pour la jacinthe carrée, donc, la prise de vue initiale est verticale, et peu importe que je souhaite au final une image finale carrée ou horizontale en 16/9ème. Voyez la différence entre prise de vue initiale et image finale dans l'exemple ci-dessus : à gauche, ce qui a été photographié, à droite la zone rajoutée.

1. Le mini-studio
2. L'éclairage
3. Le matériel de prise de vue
4. La prise de vue
5. Le post-traitement

Canon EOS 20D, 100 mm f/2.8 macro, 1/6ème, f/11, 100 ISO - assemblage de 5 images par Combine-Z

Sur la question de l'éclairage, je ne prétends pas le moins du monde être un spécialiste ou un expert. Donc, avant de vous montrer effectivement comment je pratique la chose pour mes portraits de fleurs, il me paraît indispensable de vous proposer quelques références qui "tiennent la route". Comme trop souvent, hélas, une partie de mes suggestions sont en langue anglaise. Désolé pour les photographes strictement francophones...

Livres

Michael Freeman, Photographie numérique en gros plan, Edition française 2005 Evergreen - Taschen, prix public 14,99 euros
Presque un livre de chevet... Pas entièrement consacré à l'éclairage, mais lui faisant une très grande place. La plupart des questions tournant autour de la proxy- et macro-photographie en studio y sont traitées. De plus, très belle mise en page. Un ouvrage que je vous recommande chaleureusement.

Cyrill Harnischmacher , Volker Gilbert, Fabriquer ses accessoires d'éclairage photo, Editions VM, 2007 Prix public 17 euros. De nombreuses réalisations pratiques, souvent à base de matériel pour cerfs-volants. Le site des éditions Eyrolles permet de télécharger gratuitement plusieurs d'entre elles au format PDF.

Sur le net, en français

Initiation à la photo en studio
Un guide très éclectique, et un peu brouillon qui a néanmoins l'avantage d'effleurer de nombreux sujets touchant à l'éclairage, en donnant de nombreux liens pour appronfondir un peu.

Éclairer un portrait
Un cours complet sur la réalisation d'un portrait par le spécialiste renommé Jean Turco. L'exposé fait une place prépondérante aux questions d'éclairage, avec de nombreux schémas. Portraits d'humains, certes, mais facilement transposables.

Le coup du bidon
Simple et pratique : l'utilisation d'un bidon en plastique de récupération pour remplacer gratuitement une tente à lumière

Exemples d'éclairages de photos
Sur le site PBase, la galerie du canadien Maurice McDuff présente une longue série de portraits et photos de mode. Pour chacune d'elles, il détaille, croquis à l'appui, l'éclairage utilisé. Cette ressource-là vaut vraiment le détour.

Et en anglais

Le simulateur d'éclairage
Le site Mediacollege consacre une série de très courts articles à l'éclairage de studio, en séparant de façon bien nette l'étude des fondamentaux d'une part, et les études de cas pratiques d'autre part. Voyez surtout le simulateur d'éclairage à trois sources qui, mieux que tous les schémas, vous permettra de comprendre la réalisation d'un éclairage de base.

Installer un studio à domicile
Un long article, en trois livraisons, sur l'installation d'un studio photo à domicile. Bien documenté, pratique, de nombreux schémas.

DIY Photography
DIY Photography est un blog entièrement consacré à l'éclairage photo. Lui aussi privilégie une approche "bricolage pas cher". Les derniers articles présentent la construction d'une boîte à lumière pour un éclairage à fond noir. Ce dispositif, à en juger par les exemples présentés, permet vraiment des effets spectaculaires.

The Strobist
The Strobist est aussi un blog dédié à l'éclairage photo. Lui présente davantage des solutions faisant appel à du "vrai matériel". Grande place donnée à l'utilisation des flashes. Mais ses tutoriels méritent largement le détour.

Studio Lighting
Un site entièrement consacré à l'éclairage photographique en studio. Il présente de nombreux tutoriels et se consacre avant tout à des solutions "petits budgets" accessibles à l'amateur, et faisant largement appel au bricolage. De mon point de vue, un incontournable.

À bientôt pour un nouvel épisode, consacré cette fois à la prise de vue proprement dite...

1. Le mini-studio
2. L'éclairage
3. Le matériel de prise de vue
4. La prise de vue
5. Le post-traitement

Le matériel et le mini-studio

Pas de publicité pour du matériel coûteux ici. Même si je vous donne quelques références commerciales, il s'agit de décrire le coin-studio, réservé à la proxy et la macro-photographie que j'ai monté chez moi. Avec nombre d'accessoires détournés ou récupérés, car tout ce qui est spécifiquement "fait pour" est hors de prix. Une bonne part de mon équipement consiste en articles de ménage, achetés souvent en solde et pour quelques euros. Je parle ici de mini-studio, car, pour des raisons de coût et de place, je ne me suis équipé que pour portraiturer des sujets qui ne dépassent guère le demi-mètre de haut.
Les commerçants cités ici ne sont pas spécialement recommandés : j'indique simplement où j'ai fait mes propres achats.

Le support

Actuellement, pour poser mes sujets, j'utilise une table à dessin formée d'un plateau sur deux tréteaux. Que je partage avec ma femme, qui en a fait son coin pour le travail à l'aquarelle. Parfois un peu haut pour photographier des sujets un peu grands.
Une table basse, genre petite table de salon, fait également très bien l'affaire. Il m'est également arrivé d'utiliser un tabouret de piano, qui a évidemment l'avantage d'une hauteur réglable.
J'ai complété mon support avec un petit plateau tournant, initialement destiné à servir le fromage, je crois bien. Et acheté en solde pour quelques euros chez Ikéa. Extrêmement pratique pour faire tourner mes modèles tout en délicatesse, avant de trouver le bon angle de prise de vues.

Les fonds

Les fonds sont absolument indispensables à un travail de qualité. Après pas mal d'essais et erreurs, j'en suis arrivé aujourd'hui à une solution à la fois très économique et satisfaisante. J'utilise comme fonds proprement dits des plaids en laine polaire, en 170 x 130 cm, provenant de chez Ikéa, référence POLARVIDE, à 3 euros 99. Ce qui est beaucoup moins cher et plis pratique que nombre des papiers et cartons. La couleur noire, entre autres est extrêmement profonde et convient très bien. La taille des plaids est assez grande pour permettre des effets de "fonds continus", le sujet étant posé sur le fonds, qui remonte derrière lui.

Pour fixer ce fond derrière le sujet, j'ai acheté un portant à vêtements, pour moins de dix euros, chez Lidl. Et j'y fixe mes plaids avec des pinces à linge.

Le matériel d'éclairage

Pendant longtemps, j'ai fait toutes mes images en lumière naturelle, et je vous recommande volontiers de commencer ainsi. Il est toujours bon de démarre sans acheter de matériel spécialisé, histoire de voir après quelques essais si cette activité de macro- photographe d'intérieur vous donne vraiment satisfaction, et si un investissement "vaut le coup". Après tout, plaid et portant pourront toujours servir dans la maison.

Si vous désirez un éclairage artificiel, le flash intégré à votre appareil ne convient pas, et un "cobra" avec un diffuseur à peine mieux. Les flashes de studio, de leur côté, sont fort coûteux. Un éclairage continu, avec des lampes adaptées, reste probablement la meilleure solution pour l'amateur.

Pour mon éclairage donc, j'utilise des ampoules fluo spiralées, basse température et consommation, délivrant une lumière à latempérature de couleur relativement stable de 5000° K. environ. Référence AMPOULE SB26 chez Photim, la boutique de vente en ligne de Chasseur d'images, qui la vend en ce moment à 18 euros. Vous pouvez bien entendu trouver ces ampoules chez de nombreux autres fournisseurs.

Les ampoules sont montées sur des porte-lampe porte-parapluie, référence PLPP, au prix de 15 euros, toujours chez Photim. Je rajoute là dessus un petit parapluie argenté de 63cm pour diffuser la lumière, référencé PPARG, toujours chez Photim.
Et le tout est fixé sur un pied d'éclairage léger. Photim ne dispose actuellement que de pieds pneumatiques, plus chers que les pieds ordinaires, au prix de 65 euros, sous la référence PIEDPNEU. ce raffinement-là n'est pas du tout indispensable. J'ai vu en ligne des pieds simples à partir d'une vingtaine d'euros,

Pour me donner davantage de liberté de manœuvre, j'ai pu récupérer des bras-girafes, destinés à fixer des micros pour la prise de son, et que j'intercale entre le pied d'éclairage proprement dit et le support de lampe. Pratique, mais absolument pas indispensable.

Je dispose d'un ensemble de trois lampes sur pied, mais il apparaît que pour beaucoup de prises de vue, je pourrais me contenter de deux. Si vous vous promenez un peu sur le net, vous pourrez sans difficulté trouver des kits d'éclairage de ce type, tout prêts, autour de 150 euros.

Pour obtenir un éclairage parfaitement diffus, ce qui, pour les orchidées très réfléchissantes, comme les Cymbidiums est pratiquement indispensable, j'ai complété mon équipement d'une petite tente à lumière, achetée 29 euros chez Pearl Diffusion. La qualité en est assez médiocre, et les armatures ne tendent pas assez la toile pour éviter les plis, mais pour le prix, elle remplit parfaitement son office. Notez au passage que la tente à lumière peut parfaitement s'utiliser en lumière naturelle. Pour autant que l'on accepte des poses longues, jusqu'à une dizaine de secondes dans certains cas.