Austin City Hall Pavilion Stage
301 W. Second Street

Join us for an evening of live performative democracy in musical form.
with:
The Lovers
Najeeb Sabour
The Noise Revival Orchestra Experience

Friday’s event will be a live performance and taping of three Austin-based musical acts that have participated in a lyrical and tonal experiment initiated by artists Angel Nevarez & Valerie Tevere. Sets will include the bands own material along with an arrangement of music to lyrics written by Nevarez & Tevere.

In October, excerpted video documentation of the performances will premiere in the exhibition “The Activist Impulse” curated by Regine Basha at Women and Their Work in Austin. For more information: http://www.womenandtheirwork.org/

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Angel Nevarez & Valerie Tevere are the founders of neuroTransmitter, a collaboration that, since 2001, has fused conceptual practices with transmission, sound production, and mobile broadcast design. The Austin performance evening is part of their continuing investigation of contemporary music, dissent, and public fora.

The Lovers, born from a freaky family of friends deep within the oasis of the Texas Hill Country, are a new, retro-original folk-rock band with a conscience and lotsa love. The band, made up of three singers, electric and acoustic guitars, a lilting flute, imaginative percussion and steady bass, makes for a vibrant, ever changing sound that is both folk and rock and borders on psychedelic.

Najeeb Sabour is a cellist/singer/songwriter from New Orleans that has recently relocated to Austin. He has performed many concerts in the Czech Republic and toured Spain with the Brit pop band, “Capture the Flag”. Now after two years he’s finally back armed with the experiences of different cultures that you’re sure to hear in his unique style of composing and performing.

The Noise Revival Orchestra Experience, a unity of 13, is the latest loose knit line that connects unique styles of chamber music with orchestral compositions like John Corgliano's, Circus Maximus, and John Mackey's, Red Line Tango. The Noise Revival Orchestra Experience is currently featured on MTVu Ahead of the Curve and is currently mixing new songs for an upcoming album that builds upon the success of their 5 song E.P. released on USB drive.

ွSong Title : သနားစရာေကာင္းတဲ့ လူေတြအေၾကာင္း
Song credit: ႏိုင္မင္းဇာႏွင့္အဖြဲ႕
Video credit: မသီတာ (DVB)

Song Title: Evil - The Nation - Destroyer

Vocals: Wanlat, Phonlat, Gordon, Shardy, KN
Music: SS (India)
Album: Songs from the Cage
Produced: AAPPB
Video credits: Ko Thet (DVB)

For this week's post, I would like you to write about one of the major concerns the "Rock Era" brings to mainstream popular music. You can pick one topic or the other for your post, or do both for extra credit.

The first is the  belief that popular music must be important socially or politically, and that it indeed can have a concrete effect on the direction of political movements. For this, I want you to give an example of music with a social or political message. Explain the message in detail -- what issue is the artist addressing and in what way? What makes this song an appropriate vehicle for this message? What is/was/will be/should be its impact? Remember, it doesn't have to be an explicit protest song -- Bob Dylan and Jimi Hendrix largely avoided overt political statements while making music that was relevant to the social movements at the time.

The other option is to write about a concept album.  The Rock Era is the birth of the album as a unique, coherent art object, and concept albums feature themes and progression, both musically and lyrically, throughout their running time. Explain the concept and how the artist executes it. It would be helpful to include several songs from the album as examples if you can find them.

You should add lots of your own original content to these posts -- don't just copy from other sites! I am interested in your ideas that you get from your own thinking and listening. I want to see at least 300-400 words of original writing. Good luck!

Song Title: LuBge Anthem ( လူငယ့္အသံ )

Song credit: M.F.G

Video credit: ZZM

http://next-thing.net/?p=1970

A couple of years ago I wrote a song called Mr Bush Why Can't We Be Friends which was about this issue. New Zealand has always felt a kinship with the USA and yet they won't give us a Free Trade Agreement. Last year I performed this song in the US and I also sent copies to various people including President Bush and Hilary Clinton.  Of course they didn't reply, but other people have commented both from my live performances and from sites like Music Forte and the general comment was 'Don't judge the country by the politicians'.

But the end result is that we now have friendlier relations with China than we do with America and in my book that is wrong, very wrong. You can hear the song on my Music Forte page. The lyrics are:

Mr. Bush, Why Can’t We Be Friends

©Luigi Cappel 2006

1

We’re the social conscience of the world

We live Downunder and

We just can’t understand the way you think.

In 1984 we closed our ports to nuclear powered ships

We were clean and green

With water safe to drink

Chorus

Oh Mr. Bush I’m asking why we can’t be friends

It’s our environment we were trying to defend

Our men fought along with yours on a dozen foreign shores

Your logic I just fail to comprehend.

2

You suspended us from ANZUS

From joint training you then banned us

And a free trade agreement is out of sight.

Now we free trade with China

But not with Carolina

This is something that we think you should put right.

3

We have a peace-keeping force

That we use to reinforce

The rights of people and democracy.

We sent people to Angola, Yugoslavia and Cambodia

To East Timor, Iraq and Fiji.

4

We were in Afghanistan, Sent a frigate to Oman

We train with Aussie, UK and Singapore

We reserve the right to fight

For our democratic right

But when we want to train with you

You shut the door.

Kiwi's are proud to play their part in the world and in my opinion fight way above their weight. It's about time that good things happen to good people and the US stops treating us like naughty little children. We always felt an affinity with the US and still do, but instead of enjoying free trade, we are going to be getting closer to China. I suppose next thing they will call us disloyal!

http://www.reuters.com/article/oddlyEnoughNews/idUSKUA75211720080227

 Nous sommes le 23 decembre. Dans deux jours c'est Noël. Mais ce n'est pas le sujet. J'ai vu I'm not There de Todd Haynes, le jour de sa sortie le 5 decembre. Si mes cours de mathématique en secondaire n'ont pas été totalement inutiles, 18 jours se sont ecoulées entre le visionnage premier (car je l'ai vu deux fois) et la critique.

Critique importante s'il en est. Car pour l'instant, I'm not There est le meilleur film que j'ai pu voir cette année. Je n'ai pas encore pu voir la Graine et le Mulet, le Emmanuel Mouret n'a pas encore eu la chance de passer sous mon regard affuté mais bon public, mais dieu sait si j'ai du respect pour Valeria Bruni-Tedeschi (peut-être moins pour sa trainée de soeur...), je ne pense pas que son film Actrices reussira à suplanter dans mon esprit et dans mon coeur, la claque formelle et emtionnelle qu'incarne pour moi the best movie of the year, I'm Not There.

Je l'ai attendu ce film... Grand fan de Bob Dylan, je trepignais d'impatience à l'idée de découvrir les grandes etapes de la legende Dylanienne revue et remachée par l'excellent faiseur postmoderne et indépendant Todd Haynes. Le concept, culotté et original, ne vous est plus inconnu. 6 acteurs differents incarnent le troubadour, selon les differentes étapes de sa vie, ou surtout (et c'est là que c'est fort) selon les differentes étapes de son évolution artistique, peut-être la plus passionnante qui soit. Total reflet de son époque et de son pays, Dylan c'est tous les paradoxes du monstre Américain. Tout y est abordé.

La légende archivée, contestataire violent et provocateur endiablé. Par Christian Bale.

L'enfance rêvée en jeune bluesman noir en voyage sur les trains de marchandise. Par Carl Marcus Franklin.

Le poête dandy et désinvolte, homonyme du modèle incontestable Arthur Rimbaud. Par Ben Winshaw.

 La star irrespectueuse, à la tête enflée, animé par une haine farouche envers les incursions dans sa vie privée. Par Heath Ledger.

 Le Cow-Boy en cavale, se réfugiant dans un fantasme américain dont Billy the Kid est la principale incarnation. Par Richard Gere.

 Le chretien fervent à la limite du fanatisme, vers la fin des années 70. Encore par Christian Bale.

Et surtout... La rock star perturbée, pharmacie ambulante, dont le passage à l'electrique provoque indignation et incomprehension. Par Cate Blanchett.

 Si le film brille, ce n'est pas par son concept en lui-même. C'est plutot par les extensions de ce concept. Les potentialités pleinement employées de cette idée, qui permet de dresser un tableau brillant, chamaré et bordelique d'une Amerique en permanence en proie aux doutes, obsédée par la redemption, insaisissable, insatiable.

Dylan, et ça Haynes l'a très bien comprit, est plus qu'une légende. C'est un parfum, un gaz qui enveloppe toute une époque (l'eternelle desillusion du passage des années 60 à 70) en se nourissant du passé, tout en préfigurant en permanence le futur. C'est surtout une personnalité mythologique, qui finalement existe plus dans l'inconscient collectif que physiquement (combien de fois n'ai-je pas entendu "il est mort, Bob Dylan?") et qui n'a pas eu besoin de passer l'arme à gauche par en arriver à ce degré de renommée, d'habitude reservé aux martyrs de la culture populaire, de Marylin à Kurt Cobain...

Haynes, dont l'intelligence à parler de son pays par le biais de citations aussi pertinentes que de bon gout n'est plus à prouver, élabore ici un très intéressant travaille de correspondance entre les époques. Quand je dis "époque", je ferais mieux de parler de "dimensions" tant chaque avatar de la star différe des autres. La richesse de l'oeuvre réside dans ces correspondances... Ainsi, pour exemple Pat Garret, le sheriff, est joué par le journaliste guindé et accusateur du segment dedié à Cate Blanchett. Ces deux figures incarnent la relation de Dylan vis-à-vis de l'Establishment, relation compliquée s'il en est (l'analogie avec l'amitié entre Garret et le Kid n'en est que plus brillante). Aussi, le fait que le prophète gauchiste de la premiere moitié des 60's et le prophète religieux de la fin des 70's soit incarnée par le même acteur (Christian Balle, toujours habité) illustre ce glissement dangereux entre les bonnes intentions et le fanatisme qui a toujours flotté au dessus de la bannière étoilée...

Le film est pourtant incroyablement respectueux en ce qui concerne les details. C'est vraiment le film d'un fan de Dylan, qui ne cherche en aucun cas à plaquer sur ecran les faits, mais la version des faits dont béneficie le public, cette légende dense et fascinante qui n'a souvent pas grand chose à voir avec la réalité. Pour un Dylanien pur et dur, le film est donc un regal. Le suitcase du jeune noir Woody, arbore la fameuse maxime "this machine kills fascists". Le personnage de Charlotte Gainsbourg compile brillament deux femmes importantes dans l'existence du poète, Suze, premier grand amour, artiste-peintre qui a joué un role importante dans la culture européenne de Dylan, et Sarah, la femme, la mère de ses enfants. Le segment de Christian Bale respecte à la lettre les images d'archive les plus connues, et remet en scène les interviews de Scorsese pour le documentaire No Direction Home. Et le segment de Cate Blanchett nous rejoue la fameuse tournée anglaise de 1965, filmée integralement par Pennebaker pour le maitre-étalon du documentaire rock Don't Look Back. Petit à petit, le film se détache de ces traces gravées dans le marbre pour se réapproprier le materiau et l'emmener sur des routes plus passionnantes, habitées, sinueuses, du délire fellinien au western crepusculaire, en passant par la romance Godardienne. Film musical, mais film cinéphile aussi...

Et la musique bien sur... Je parlais il n'y a pas si longtemps avec des amis du raisonnablement réussi biopic du chanteur de Joy Division, Control par Anto Corbijn. La vie de Ian Curtis y était montrée sans pathos, avec indépendance et intelligence. Mais la musique n'y occupait pas une place assez importante à leur gout. Les quelques scènes de concert étaient brillantes mais la démarche créatrice était passée à la trappe. C'est souvent ce qui intéresse quand on aime un artiste. Le "Comment ça marche?" de la création.... Il est déja difficile de supputer comment un Ian Curtis qui n'a fait que deux albums a pu écrire ses remarquables petites mélopées post-punk. Il est d'autant plus impossible de comprendre comment Dylan a pu gérer ce flot créatif inouï, cette marée devastatrice d'influences, la mise au point de ce phrasé si particulier, cette ampleur inédite matinée d'absurde, ces contes modernes et baroques lisibles à tous les niveaux possibles et imaginables. Beaucoup ont essayé, aucun n'y est arrivé.

Et d'une manière un poil detournée, le film intègre brillament cette merveilleuse et impenetrable musique à son récit. J'en prendrai pour exemple, probablement la scène la plus remarquable du film, qui relève le difficile pari d'illustre visuellement un des sommets de Dylan, "Ballad of a Thin Man". Comme le dit si bien son meilleur biographe, François Bon, "Ballad of a Thin Man, depuis 40 ans, c'est la chanson qui fait peur...". Dans ce morceau d'anthologie, Bobby conte sur fond de piano menaçant, la chute des repères Kafkaïenne d'un personnage desesperement anonyme, Mr. Jones. Ce dernier y croise son double nu qui le pointe du doigt et se retrouve metamorphosé en freaks moqué et humilié. Dans le film, le personnage de Jude (Cate Blanchett) interprete la chanson sur scène et à la manière d'un clip, Haynes met en scène les paroles de la chanson, ou le Mr. Jones en question ne serait autre que le journaliste guindé, cité plus haut. Interpretation personnelle du réalisateur. Soudainement, le son et l'image se figent. Et deux membres des Black Panthers (activistes d'extreme gauche noirs américains), analysent la chanson en la réecoutant encore et encore. L'un des deux est persuadé que la chanson parle d'eux, qu'il décrit le malaise américain face à la lutte des droits civiques, que le Mr. Jones c'est le blanc lambda qui doit faire face aux metamorphoses de la société... Inédit dans un biopic, le procédé permet au spectateur d'assimiler l'inssaisissable génie de Dylan, sa capacité jusque là à inegalée à créer des chansons qui veulent tout dire et rien dire à la fois, qui parlent de son époque, sans jamais tomber dans la protestation gratuite et vide, exercice denué d'intelligence artistique et de panache.

Tout le contraire du génie dont ce film prend le risque de ne pas conter l'existence. Haynes prefere mettre en avant, l'image populaire, le cliché. Un des sujets du film c'est cette passionnante relation qui peut exister entre une celebrité et son public. Comment ils peuvent se nourrir l'un l'autre. C'est ici l'art créatif dans ce qu'il a de plus passionnant. On ne raconte pas Dylan, on l'interprete, le façonne, joue avec. On le contraint à se regarder lui-même, à le transporter de décors familiers en fantasmes cinéphiles. Tel un chimiste amateur, on regarde ce que ça donne, s'en amuse et on constate qu'un sens profond s'en echappe. Que comme toutes les grandes chansons, on peut les emmener n'importe ou. Ca marche toujours aussi bien. Car le génie ne réside pas dans la manière de faire, mais dans l'esprit avec laquelle on fait les choses.

I'm Not There, c'est génial aussi parce que c'est un film qui croit en la richesse et en la complexité humaine. Qui croit qu'une personne, une seule, ça peut-être passionnant et multiple.

I'm Not There, c'est aussi génial parce que c'est magnifiquement interprété, parce que Cate Blanchett est vraiment trop forte et que les répliques cultes sonnent vraiment génial dans sa jolie petite bouche.

I'm Not There, c'est génial parce que c'est triste, psychédelique, lent, effrené, melancolique, fou, lyrique, réaliste, drole et bouleversant. C'est tout ça à la fois, alors courez-y...! Best film of the Year...

Er zijn heel wat artiesten wiens afgelegde traject boeiend genoeg was om er een boek over te schrijven. Er zijn zelfs heel wat albums die zo goed zijn, uit zoveel lagen samengesteld zijn, of zo’n sterkte impact hadden/hebben, dat ze er een boek over afdwingen. Er zijn echter niet zo heel veel songs die belangrijk genoeg zijn om het enige onderwerp te vormen van een boek. “Strange Fruit” is er zo eentje. Het is tevens een voorbeeld van een song die altijd verbonden zal blijven aan zangeres Billie Holiday, ook al schreef ze die song niet zelf en was hij, in tegenstelling tot wat ze zelf durfde beweren, evenmin voor haar geschreven. 

Zelfs tot op de dag van vandaag blijft de horror van “Strange Fruit” verschrikkelijk om te aanhoren, of zelfs om te lezen. 

Southern trees bear a strange fruit,

Blood on the leaves and blood at the root,

Black body swinging in the Southern breeze,

Strange fruit hanging from the poplar trees.

Pastoral scene of the gallant South,

The bulging eyes and the twisted mouth,

Scent of magnolia sweet and fresh,

And the sudden smell of burning flesh.

Here is a fruit for the crows to pluck,

For the rain to gather, for the wind to suck,

For the sun to rot, for a tree to drop,

Here is a strange and bitter crop.

Ik leerde de song kennen toen ik een dubbelaar van de Diapason d’Or-reeks had aangeschaft. Het bevatte vooral oudere opnames van de dan nog jonge Billie Holiday, en klassieke songs als “I Wished On The Moon”, het vlugge “What A Little Moonlight Can Do”, evergreen “Summertime”, “Fine And Mellow” (een van haar beste eigen songs), “Body And Soul” en nog een hele hoop greatness op een schijfje. Tot de dag van vandaag zijn die opnames uit de tweede helft van de jaren dertig ook mijn favorieten, meer nog dan de door zovelen zo bejubelde songs uit de latere Verve-periode. Tussen die swingende, toegankelijke en instant memorabele jazzsongs zat er echter eentje dat uit de toon viel, “Strange Fruit”. Het was een ballad, maar het was geen doorsnee jazz, geen blues, geen gospel. En die tekst. Over in de wind wiegende lichamen die werden opgehangen. Keiharde metaforen die ervoor zorgden dat “Strange Fruit” een van de meest radicale protestsongs van zijn tijd was. 

De song was hard en deprimerend, en zou decennia lang té gevoelig blijven. Tot op de dag van vandaag is het een song die veel (vooral zwarte) artiesten niet willen of kunnen opnemen of live performen. (*) Nochtans is het nummer, in tegenstelling tot latere aanklachten zoals bvb. “Mississippi Goddamn” van Nina Simone, eerder ingehouden. Dit is geen uitgespuwde verontwaardiging of koleirige roep om een betere, rechtvaardige wereld, maar een misselijkmakend plaatje op een presenteerblad. De intensiteit van Holidays originele versie (van 20 april 1939) is van de ingehouden, smeulende soort. De beeldspraak die wordt gebruikt is immers zo krachtig dat Holiday ook zonder veel poeha de geur van geroosterd vlees en het getik van vallende bloeddruppels kan oproepen. 

David Margolick schreef Strange Fruit: Billie Holiday, Café Society, And An Early Cry For Civil Rights omdat het nu eenmaal een van die songs is die niet aan kracht inboeten. De lynchings zijn intussen verleden tijd in de Verenigde Staten (het ging om meer dan 4.000 gevallen tussen 1889 en 1940), maar de context van racisme en haat blijft natuurlijk relevant. “Strange Fruit” is nog steeds wrang en confronterend. Of, in de woorden van pianist Mal Waldron, die Holiday begeleidde aan het einde van haar leven: “It’s like rubbing people’s noses in their own shit”. In Strange Fruit gaat Margolick in op het hele verhaal: de schrijver van de song (Abel Meeropol, een linkse, Joodse leerkracht en componist uit New York, onder het pseudoniem Lewis Allan), hoe het bij Billie Holiday terechtkwam, de club waar ze de song voor het eerst zong, hoe de ontvangst was bij publiek en pers, en wat het teweeg bracht. 

Al dit doet hij vooral door informatie te geven die hij opdeed tijdens het interviewen van talloze omstaanders, waardoor het boek iets heeft van een enorme puzzel van quotes die samen het hele verhaal vormen. Niet enkel muzikanten die samenwerkten met Holiday komen aan het woord, maar ook nachtclubeigenaars die haar lieten optreden, muzikanten die de song later speelden, critici over het moment waarop ze de song voor het eerst te horen kregen. Zelfs personeel van de nachtclubs mag zijn zegje doen. De song had vooral z’n voorstanders, maar er waren natuurlijk ook naysayers. Zo waren producers Ahmet Ertegun en Norman Granz meteen onder de indruk. Enkelen vonden het dan weer niks: voor John Hammond, die enkele jaren alles ervoor had gedaan om Holiday binnen te krijgen bij de band van Benny Goodman, was de song het begin van het einde, het moment waarop de ster werd omarmd door de linkse intellectuelen die ervoor zorgden dat ze zichzelf veel te serius ging nemen. Atlantic-man Jerry Wexler vond dan weer dat het al te zeer gericht was op propaganda, zeker aangezien het voorafgaande werk van Holiday eerde de ‘luchtige’ kant van de jazz belichaamde.

De song miste z’n impact niet, en bracht eveneens een grotere interesse in de persoon en muziek van Holiday op gang. Terwijl in het diepe Zuiden niet het risico genomen kon worden om de song te spelen, werd het door linke blanken en zwarten in het Noorden enthousiast onthaald. De labiele Holiday was echter ook iemand met een levensstijl die niet onbesproken kon blijven. Ze was naar verluidt biseksueel, hield er talloze minnaars op na, had problemen met drank én drugs (“In the spring of 1947 she checked into a New York hospital for detoxification (a nurse was among several people who supposedly supplied her with drugs there) and within a few months she was busted in Philadelphia, spending nearly a year in a federal penitentiary in Pennsylvania. (Before her first day was out, she had gotten high again).”, pag. 108), en een talent om zich te omringen met mannen die haar fysiek misbruikten. 

Er zijn talloze anecdotes over hoe Holiday bezopen of high het podium opkroop en vooral na concerten amper in staat was tot basiscommunicatie. Net als een hele resem andere jazzgroten uit de jaren veertig tot zestig (Charlie Parker, Dexter Gordon, John Coltrane, Chet Baker, de lijst is oneindig) was ze een junkie, een emotioneel wrak dat de scheidingslijn tussen waarheid en fictie amper nog wist te vinden. De autobiografie Lady Sings The Blues (1956) zou naar verluidt zo veel onwaarheden en onjuistheden bevatten dat weinig nog met zekerheid kan aangenomen worden. Net door die tragische levenloop die ervoor zorgde dat Holiday in 1959 overleed op amper vierenveertigjarige leeftijd, werd de song natuurlijk opgezadeld met een extra laag miserie en onlosmakelijk verbonden met het leven en lijden van de zangeres.

In Strange Fruit richt Margolick zijn aandacht echter vooral (wijselijk) op de weerklank van de song zonder de lezer te overrompelen met al te veel smeuïge details. Door de eindeloze aaneenstrengeling van meningen lijkt het aanvankelijk te blijven bij een oppervlakkige opsomming van het hele gebeuren rond de song, maar al die perspectieven zorgen uiteindelijk voor een beeld dat waarschijnlijk vollediger en genuanceerder is dan wanneer Margolick zich enkel had beziggehouden met geschiedschrijving en zijn een bewijs dat het zijn plaats zowel verdient tussen andere jazzmonumenten als “Body & Soul, “Take The “A” Train”, “Koko”, "Lonely Woman" en "A Love Supreme", als tussen protestsongs als “We Shall Overcome”, “This Land Is Your Land” en “Masters Of War”. (****)

(*) Helaas geen hindernis voor klojo's als Tori Amos en Sting.

David Margolick. Strange Fruit – Billie Holiday, Café Society, And An Early Cry For Civil Rights. London: Running Press, 2000. 152 pag.

NP: Wes Montgomery – The Incredible Jazz Guitar Of Wes Montgomery