3 Sguardi Africani è una mostra d'arte contemporanea, ma è anche un gesto di solidarietà, uno sguardo dall'Africa e sull'Africa, dunque d'intesa, che tutti possono scambiarsi per costruire un mondo migliore.

Gli sguardi africani sono reciproci: c'è chi osserva e chi viene guardato; una complicità dello sguardo in cui è coinvolto, Simone Casetta, invitato a raccontare la sua Africa, soprattutto quella dove l'Associazione Muoversi (non Commuoversi) ha sostenuto in modo attivo progetti di cooperazione internazionale.

I suoi sguardi si intrecciano con quelli di Georges Lilanga artista africano contemporaneo. Lilanga è un artista di successo internazionale, presente con le sue opere anche alla Biennale di Venezia, scelto per la forza della sua inconfondibile cifra stilistica con cui sa trasmettere l'amore per la sua terra. E' stato selezionato, perché nato in Tanzania dove anche il CEFA è una realtà conosciuta e amata per l'impegno di promozione sociale.

In questa tappa parmigiana Simone Casetta e George Lilanga si guardano e le loro opere guardano noi.

SIMONE CASETTA - Le fotografie a colori scattate da Simone Casetta in Tanzania ci dicono di donne e di uomini al lavoro. Da anni impegnato a raccontare la gente che vive le contraddizioni dei Paesi più poveri del mondo, Casetta documenta la realtà di Njombe, capoluogo dell'omonima regione della Tanzania, collocata in gran parte sui monti del Kipengere, a 2.000 metri sul livello del mare. Qui Muoversi (non Commuoversi) ed i volontari CEFA hanno attivato un allevamento di vacche e un caseificio: insegnano a mungere il latte, a pastorizzarlo e a lavorarlo. Severità di mani nere, che si muovono con ritmo ed eleganza nell'impasto bianco; allegria di sorrisi candidi al sapore di latte, pascoli e stalle, biciclette e mercati. Nella regione africana colpita dalla Aids e dalla diffusione scriteriata del latte in polvere, promossa da alcune multinazionali nonostante i divieti dell'Organizzazione Mondale della Sanità, Casetta coglie la speranza di auto-sviluppo portata dal CEFA.

GEORGE LILANGA - Anche le sei sculture di George Lilanga (1934-2005), provenienti dall'Archivio Cavellini di Brescia, sono colorate e vivaci, espressione di contesti rurali e di un grande senso dell'umorismo. Intagliate nel legno e poi dipinte con tinte decise e luminose, tramandano i valori morali della vita collettiva e quelli culturali dell'arte makonde, nata negli altopiani del Mozambico. Lilanga imparò la scultura dallo zio Agostino Malaba e nel 1971 lo seguì a Dar es Salaam. Qui fu tra i più giovani frequentatori del centro d'arte Nyumba ya Sanaa e scoprì la pittura dei Tingatinga. A partire dagli anni Ottanta e fino alla morte ha esposto le sue opere nei musei di tutto il mondo, dal Pompidou di Parigi al Guggenheim di Bilbao, da Tokyo a Shanghai, da Ginevra a Washington.

Nel suo lavoro artistico traduce in immagini contemporanee le antiche "Ujamaa", sculture che simboleggiano la coesione e la solidarietà umana. Le sue forme tridimensionali rivisitano un mondo immaginario e mitico, popolato da spiriti buoni e cattivi detti "shetani", che rappresentano le qualità e i difetti umani, ma anche le feste del villaggio, i conflitti sociali, i benefici della terra o le catastrofi della natura.

L'arte è ciò che permise a Lilanga di trasformare gioie, speranze, sofferenze e angosce in un gesto creativo e fecondo per tutto il suo popolo. Come le fotografie per Simone Casetta e il lavoro per i pastori di Njombe. Il talento è dato a uno per la vita di molti.

La mostra si colloca all'interno della ormai consolidata rassegna "Arte a Palazzo Giordani" e la sua realizzazione è stata possibile grazie al patrocinio della Provincia di Parma e alla collaborazione dell'Assessorato alle Relazioni Internazionali e Cooperazione Decentrata.

Per informazioni, visite guidate e gruppi: muoversi punto pr at gmail punto com oppure 334.74.83.097

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L'Abbé Adolphe Fouré, sourd et muet suite à une attaque cérébrale sculptera dans la roche ces quelques 300 personnages.

Prenant pour base l’histoire de la famille des Rothéneuf, contrebandiers et pirates de père en fils aux XVIème et VXIIème siècles, il entame alors une œuvre monumentale, directement sur les rochers, véritable fresque sculptée de plein air.

Da mercoledì 28 maggio a venerdì 20 giugno

Mostra di sculture e quadri di Luca Salvadalena presso la Banca FIDEURAM in via Lavizzari 29 sita nel centro storico di Sondrio da mercoledì 28 maggio a venerdì 20 giugno, orari d'ufficio: 8,30 - 13  --  14 - 17  (giorni di chiusura: sabato e domenica).

Un estratto della recensione (di A. Degani):

Ritorna con il suo ultimo lavoro, Stefano Pedretti, grande promessa della nuova arte italiana.
Col suo carattere vario e sfaccettato, semplifica le forme alla loro più cruda essenza, spogliandole d'ogni vana esteriorità.
Le sue opere prendono vita in una prospettiva onirica lasciando intendere il loro vero significato interiore.
Figura complessa dalle forme essenziali questa nuova opera è destinata ad un posto di rilievo tra le sue composizioni [...]
Il concetto stesso dell'espressione, in un confronto tra natura e anima popolare, emerge qui in molteplici forme; l'armonia è povera ma più che apparentemente reale, ispirata a criteri di modernità ed impoverimento soggettivo.
E' l'albero dunque, che sovrasta una collina, col suo irresistibile impulso di proiettare quei valori di autonomia e di libertà che prevale, creando quel capolavoro di freddo realismo poetico.

Il senso incipiente della libertà della natura si contrappone mirabilmente con la diffusa posizione dell'umanità a supportare quel meccanismo di autodistruzione che, nel corso di questi secoli, si è lentamente assimilato, passando nell'anima stessa del popolo. [...]

Quest'albero ormai scarno ma con ancora un ostinata perseveranza a lottare emerge nettamente nelle sue forme più grandiose; è proprio questo che conferisce l'autenticità dell'emozione poetica [...] e proprio grazie alle nette doti artistiche di S.Pedretti che possiamo cogliere il vero significato del fallimento della società moderna, schiava del gusto estetico e indifferente alla grande importanza delle sfumature del sentimento.

Struttura in rame.
mm 45 altezza
mm 55 larghezza
mm 2,5 profondità

il 6 giugno 2008 alle ore 19,00

presso gli spazi di

Pescatore

architettura&design

Via S. Pasquale, 36, Benevento

L’artista si propone di portare alla luce un interrogativo sulla economia della “spesa” globale, usando una giusta ironia; rappresenta oggetti e strumenti di uso, oramai quotidiani, riproducendo carrelli , cestelli e forme da super-mercato.

La sua ricerca si confronta con diversi materiali, mentre per i suoi “disegni“ usa supporti di grafica digitale. In essi la domanda che si pone sul consumo delle immagini pubblicitarie dei prodotti, viene stimolato da ri-tratti di forme di prodotti non riconducibili ad un’etichetta ,ma semplicemente all’unicità della ”forma“.

Nel lavoro dell’artista è “il disegno” l’elemento fondamentale, che diventa proiezione mentale di uno scenario:

“un segno che si materializza non più sulla carta ma nello spazio… ”

con cime di nylon che seguono un percorso, reinventando oggetti .

La corda di nylon, che virtualizza la matita e il foglio, è l’elemento primo di rappresentazione; diventa elemento di sfida nei lavori che la vedono intrecciarsi in fitti nodi, dando forma ad immagini che richiamano ad una riflessione sulla complessità dell’individuo.

La possibilità di porsi delle domande è lo scopo che mette insieme la materia, la manualità meditativa e la forma.

B-

"Evolution" at Max Lang
May 8 - June 7, 2008

Intriguing and vague.

This is a group show that calls itself a "biology and the body in contemporary sculptural practices." Since that can mean just about any blasted thing, one knows what level of rigor and focus one is in for.

You have your obligatory witty items, such as in John Isaacs' Further uses of the dead for the living (2008), above, a huge slab of wax dressed to look gory; or trompe l'oeil bronze vegetation by Tony Matelli.  The price of the presentation is too bookish and limp in its concerns and examinations.  The press release is full of wandering questions like, "how does a piece of art to enter one's life?"  The curator purports to "examine questions" later on "address" them to.  Good for him.  Yawn.

There are intriguing pieces on display. Ms Dieker creates of sort of monstrous muppet with flesh-toned pieces of discarded clothing and fabric. Go, I encourage. But as a group show, the rationale is too inchoate and tenuous. In today's world with so many narratives, group shows are hard to pull, and impossible when the "curator", one Marc Wellman, that's Dr Wellman to you, is so vague and uncritical in his purpose.

Still, the artists are not really to blame. Go, and send back thoughts.

Pillar of Shame

Hong Kong

Tramite una ricerca - mitico Google! - sono riuscita a trovare qualche immagine delle opere di Fausto Melotti che si vedono rappresentate sulle copertine dei libri Oscar Mondadori afferenti alla collana Opere di Italo Calvino. Di alcune purtroppo non sono riuscita a reperire il titolo. Se qualcuno lo conoscesse (trovandolo in internet o avendo il libro a casa), può gentilmente condividere?

Se una notte d'inverno un viaggiatore - La fabbrica delle idee

Il barone rampante - ?

Le Cosmicomiche - Scultura G

Il cavaliere inesistente - I sette savi (un elemento)

Perchè leggere i classici - ?

La speculazione edilizia - Città

La maggior parte delle immagini della sculture sono state tratte dal sito Scultura italiana.

Stumble ci regala ancora una delizia... clicca sull'immagine per vederne altre

Ma torniamo a noi... mi sono soffermata a guardare la copertina di quel libro e ho notato che lo stile è molto simile a quello di un altro libro che ho sul comodino, Le città invisibili sempre di Calvino. Entrambi sono editi da Mondadori, collana Opere di Italo Calvino.

Leggo che le opere in copertina sono di Fausto Melotti e sono sculture (La danza, 1972 e Le torri della città invisibile, 1976). Mi hanno molto affascinato, nelle loro linee così essenziali e graziose, quasi diafane. Melotti (Rovereto 1901 - Milano 1986) inizia la sua formazione a Firenze e a Pisa, dove ammira le opere di Giotto, Botticelli, Donatello e Michelangelo, le opere architettoniche romaniche, gotiche e medievali. Il suo linguaggio scultureo - caratterizzato da elementi lineari e geometrizzanti, da cui era esclusa ogni "modellazione" in favore di una assoluta purezza formale - raggiunge l'apice del suo sviluppo negli anni Settanta con le aeree e fragili costruzioni di fili di rame, di trasparenti retine metalliche e di garza. Amante della musica, studiò da giovane l'organo e il pianoforte, riflettè sul contrappunto e l'armonia, portando tutto all'interno della sua arte, in particolar modo nelle incisioni.

Sembra che il processo creativo in Melotti coincida con quello dello scrittore Italo Calvino. I due erano amici e Calvino scrisse questa dedica nel volume di Le città invisibili che donò allo scultore: "A Fausto Melotti le "città sottili" e tutte le altre di questo libro che è anche suo. Con grande amicizia, Italo Calvino - dicembre 1972".

Che per visitare lo studio di Melotti occorra passare per una botola salendo e scendendo una scaletta da sottomarino, è un dato di fatto da non trascurarsi… perché ogni itinerario conoscitivo non può che iniziarsi con una scoscesa dislocazione verticale…

I segni vanno comunque tenuti alti: senza nessuna prosopopea, con la leggerezza, l’attenzione, l’industriosa ostinazione dei palafitticoli. Era verso il regno delle palafitte che il viaggiatore ­ e non da ieri ­ muoveva i suoi trampoli: solo habitat possibile per i secoli immediatamente prossimi. Apprendere da Melotti che l’infinito s’avvolge su se stesso a spirale autorizza d’altronde a una certa confidenza con lo spazio e col tempo.

Tratto da I. CALVINO, I segni alti (per Fausto Melotti), (1971), in I. C., Saggi II, Meridiani, Mondadori, 1995, p.1970-71

C'è stato un momento in cui dopo aver conosciuto lo scultore Fausto Melotti, uno dei primi astrattisti italiani, che solo nella vecchiaia è stato scoperto e valutato secondo il suo merito, mi veniva da scrivere città sottili come le sue sculture: città su trampoli, città a ragnatela.

Tratto da I. CALVINO, Intervento su L’Espresso, 5 novembre 1972, ora in M. BARENGHI, Le città invisibili, in I. C., Romanzi e racconti II, Meridiani, Mondadori, 1992, p.1358-63

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Mostre

"Fausto Melotti"
Acquavella Galleries, New York
16 aprile / 30 giugno 2008

"I viaggi di Fausto Melotti"
Istituto Italiano di Cultura, New York
13 / 30 maggio 2008

Per rimanere un pò in tema di design e curiosità, nell'isola di Minorca, a Ciutadella, è presente un hotel i cui interni sono basati sulle descrizioni del libro Le città invisibili; concepito dall'architetto Fernando Pons e dalla designer Chiara Fabiani, l'Hotel Tressants è attualmente in vendita. Nella reception le candele sul muro sono disposte in modo da formare la costellazione dell'Acquario; c'è una finestra di vetro sul pavimento da cui si può vedere una piscina illuminata. L'hotel dispone di otto camere, ognuna ha il nome di una delle città del libro: Maurilia, Zenobia, Zemrude, Baucis, Eudoxia, Sophronia, Valdrada... ognuna decorata e arredata con dettagli particolari. Un vero incanto. E un invito alla lettura del libro di Calvino, qualora non lo conosceste.

Underwatersculpture gallery è un progetto, lanciato nel maggio del 2006, dallo scultore e istruttore subacqueo guyanese Jason Taylor.
E’ un’impresa artistica unica, realizzata nell’isola di Grenada, nel sud dei Craibi, circondata dall’Oceano Atlantico. L’iniziativa, in continua evoluzione, ha lo scopo di celebrare la cultura caraibica e reinventare e proteggere una zona coralligena, decimata dalle recenti tempeste tropicali.
Le statue, realizzate in calcestruzzo e acciaio ed assicurate al substrato oceanico, generano un reef artificiale. Le loro strutture forniscono una base per la colonizzazione di coralli, alghe e spugne, così come riparo e protezione per tanti altri organismi.
http://www.underwatersculpture.com

La tradizione di queste sculture è molto antica e viene affidata ad artigiani specialistici che si tramandano il mestiere di padre in figlio e che vengono chiamati "scaculass", cioè scaccolatori, dato che queste miniature vengono da loro costruite con arte e pazienza utilizzando unicamente le caccole del naso.

Gli "scaculass" sono l'orgoglio di tutti i valligiani al punto che da queste parti soffiarsi il naso è considerato uno spreco ed è allora preferibile tenersi le narici intasate per fornire la materia prima agli artisti: quando ce n'è abbastanza, si sente risuonare per la vallata il tipico richiamo "Uelà uelà el scaculass! Vè cà, vè cà o scaculass"; a questo richiamo, uno degli artigiani parte dal borgo, arriva da chi l'ha chiamato e dopo averlo ringraziato con la tipica frase "Sun chi, sun chi me scaculass" inizia a scaccolarlo con minuziosa attenzione e delicatezza. Anche quando è il paesano a recarsi nella bottega dello scaculass, vengono dette le medesime parole, in un cerimoniale che si ripete uguale da secoli.

Pur essendo gli unici al mondo a vantare una simile tradizione e pur essendo molto orgogliosi della loro arte, gli "scaculass" non ne sono gelosi e quando visiterete il paese, non mancate di entrare in una delle loro botteghe: sia che l'artigiano stia lavorando alla composizione delle sue opere, sia che stia procacciandosi la materia prima dal proprio o altrui naso, vi saluterà con un sorriso e vi tenderà la mano per una stretta (che vi raccomandiamo di accettare, se volete tenervelo amico).

Potrete così vedere da vicino la sua bottega, egli vi mostrerà i suoi lavori già completati, secchi e quelli ancora teneri, in fase di lavorazione; alla fine, se vi accorgete di essergli entrati in simpatia, potrete chiedergli di darvi una piccola scaccolatina e se non vi eravate sbagliati egli si accomoderà su uno sgaabello davanti a lui e procederà alla fatidica operazione tenendovi nel contempo compagnia raccontandovi storie del posto.

A dire il vero, gli "scaculass" trovano le caccole dei forestieri piuttosto scarse per quantità e alquanto difficili da lavorare, ciononostante farà il suo lavoro con la consueta cura e passione perché questi artisti sono, prima di tutto, uomini di buon cuore.

immagine da: http://www.marriedgamer.com/2008/01/24/things-more-fun-then-undertow/

Al turista frettoloso queste appaiono il più delle volte come scherzi della natura, fenomeni dovuti ad erosione, frane o altri eventi fortuiti.

In realtà si tratta di vere e proprie sculture, create con pazienza dai montanari locali; è questa infatti una vecchia tradizione per la quale gli innamorati delusi, coloro che hanno subito dei torti o comunque, chi ha motivo di rancore -a torto o a ragione- con qualcun altro, fa un ritratto di questo nella roccia viva.

La cosa più singolare di questa tradizione è lo strumento usato dai montanari nel compimento dell'opera: la propria testa, battuta ripetutamente e con costanza e perizia contro la roccia fino a darvi una certa forma.

Se vi fermate a parlare con qualcuno dei vecchi del paese che sono stati scultori di rocce -riconoscibili dalle profonde cicatrici sulla fronte- tutti vi confermeranno che la creazione di una di queste opere arreca sollievo -soprattutto quando l'opera è conclusa- e che comunque da' all'artista altre cose a cui pensare oltre alle miserie della vita quotidiana anche se, per usare le parole di uno di loro "La roba più dificile, ostia, è meterci la firma!".

immagine dal sito: http://www.sungubala.com/

Una mostra che giunge al culmine di una carriera straordinaria che nell’arco di un trentennio ha posto Talani tra i protagonisti dell’arte internazionale; dal giovanile ciclo di affreschi di fine anni ‘70 per la Chiesa di San Vincenzo (Livorno), suo paese natale, alle mostre americane ed europee degli anni ‘80 e ‘90, alle grandi esperienze pubbliche di Napoli, Arezzo, Fiesole, Milano, Bologna, Palermo degli anni 2000. Fino al noto e ammiratissimo affresco della Stazione di Firenze Santa Maria Novella, “Partenze”, con cui ha saputo richiamare l’attenzione mondiale sull’attualità artistica di quella città.
Anche Campi Bisenzio entra come protagonista indiretto di questo avvenimento perchè la grande scultura in bronzo di Talani che verrà esposta a sorpresa in Piazza della Signoria a Firenze è stata fusa dalla fonderia IL CESELLO dei fratelli Franco e Fabrizio Cipriani che ha la sua sede a Campi Bisenzio e che si può definire come una vera e propria “bottega artigiana” per la cura e la dedizione per il proprio lavoro, il ritocco sapiente delle cere, la fusione con il metodo classico a cera persa, la finissima cesellatura eseguita manualmente con lime e ceselli che mettono in risalto ed in rilievo ogni più piccolo particolare, richiedono abilità e senso artistico tramandato, come avveniva nelle botteghe del rinascimento fiorentino, di padre in figlio, di generazione in generazione.
“Rosa dei Venti”, questo è il titolo scelto, sarà quindi anche scultura, campo in cui per la prima volta vedremo l’artista cimentarsi con un bronzo alto 3 metri collocato sotto la Loggia degli Uffizi per tutto il periodo dell’esposizione, proprio in mezzo al colonnato prospiciente l’Arno, con evidente rimando all’immaginario costante di Giampaolo Talani, all’universo simbolico cui non ha mai cessato di attingere e che lo ha reso sempre più celebre: il mare.
Curatore: Laura Farina - Allestimento: Paolo Nocentini, Giacomo Bioli Pini - Catalogo:
De Paoli Edizioni d’Arte, a cura di Elisa Gradi ISBN: 978-88-902007-3-1 - Info: Eventi Pagliai - Tel. (+39) 055 7378736 - Sito web di Giampaolo Talani
La mostra, s'inaugurerà il 7 marzo 2008 alle 17,30 e resterà aperta fino al 27 aprile 2008 con orario 10,30-18,30 e ingresso gratuito.

Ma chi è Anna Maria Guarnieri ? Nasce nel 1947 a Sesto Fiorentino. I suoi studi fanno capo all'Istituto d'Arte, mentre le sue opere giovanili e le prime mostre risalgono al 1970, ma già nel 1973 l'artista dimostra di aver acquisito padronanza ed essenzialità della pennellata. Oggi sua pittura si muove intorno al Simbolismo magico, condividendone in modo naturale il manifesto e dunque, in gran parte delle sue opere, cerca di rappresentare in una forma visibile e concreta, idee astratte come amore, odio, Dio, pietà, ecc. Essa considera quindi qualsiasi oggetto, non in quanto tale, ma come segno simbolico dell'idea. In particolare ama le porte e gli ingranaggi. Così dipingendo una porta simboleggia ogni aspetto dell’animo umano, come curiosità, segregazione, clausura, scoperta, richiesta e misticismo. Mentre dipingendo ingranaggi richiama lo spettatore alla fratellanza di ogni individuo, che pur nella diversità, è parte indispensabile e unica dell’universo. In certe opere tuttavia, la tavolozza della Guarnieri, si accende con tale intensità, che gli accostamenti di gialli, rossi, verdi e blue, appaiono talmente provocanti, da far intuire, a chi si pone in attenta riflessione, che la realtà é solo apparentemente banale, in quanto é abilmente mistificata dall'artista, per donare a se e al suo pubblico, un messaggio che sempre fa meditare la mente e riscalda il cuore. Maggiori info sulle sue opere. La mostra sarà aperta al pubblico fino al 25 febbraio con orario 14.00-17.00 con ingresso gratuito.

via funtasticus

Mostra personale alla Cà Rossa presso il Parco botanico del Paradiso, dal 16 aprile a fine maggio 2005.